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在中国艺术歌曲民族化上,“古为今用、洋为中用”,继承和发扬中外优秀音乐文化遗产和宝贵经验,对中国传统文化的精髓和民族审美情趣等进行更深层次的挖掘的同时,学习和借鉴国外的音乐创作技法和经验,从中获得丰富的音乐创作养分和灵感。今天读文网小编要与大家分享的是美学论文:从艺术歌曲看中西方音乐审美差异。具体内容如下,欢迎参考阅读:
摘 要:通常人们会说:艺术无国界,但是在不同的审美差异下,艺术还是有它自己独特的风味,一千个人的眼中就有一千种对艺术的解说和理解。由于中西方各有其不同的社会土壤和文化环境,西方审美形态习惯于分析,中国则习惯于综合。通过对中西方社会背景差异和中西方文化的特点的探究,以及从中外艺术歌曲的美学表现上,可以看出中国与西方两种不同思想文化体系下的美在音乐中的体现是有所不同的。
论文正文:
从艺术歌曲看中西方音乐审美差异
人们常说“艺术无国界”,但是在不同的审美观念下,艺术还是有它自己独特的风味,一千个人的眼中就有一千种对艺术的体悟和理解。中西方各有其不同的社会土壤和文化环境,西方审美形态习惯于分析,中国则习惯于综合,这种思维与表达方式的不同,也导致了中西方音乐上的差异。
中西方音乐差异的实质是文化的差异,主要是由中西音乐所发挥的社会功能和所承担的文化角色不同所导致的。因此,中国艺术歌曲与西方艺术歌曲这两种不同思想文化体系下音乐形式的美的体现也是有所不同的。
在《新格罗夫音乐与音乐家词典》中,“艺术歌曲”被定义为“一种由专业作曲家创作且与民歌相区别的,具有严肃艺术意味的歌曲体裁”,在《新哈佛音乐辞典》中,“艺术歌曲”被进一步解释为“是作为室内音乐会目的而创作的歌曲,以区别于民歌和流行歌曲。它在传统上是为诗歌所谱写的音乐,歌词具有很强的文学性,而且与大多民歌和流行歌曲有所不同。艺术歌曲的伴奏是由作曲家制定创作的,而不是表演者即兴发挥改写而成”。
西方艺术歌曲源于19世纪在德奥时期的浪漫主义歌曲。而中国艺术歌曲,从一开始是以借鉴外国艺术歌曲的表现手法为基础进行创作的,同时又注重与我国的民族语言、民族气质和民族情感表达方式相结合。按一般意义上的界定,中国艺术歌曲是西乐中融产物,迄今在我国只有近百年的历史。中国近代艺术歌曲的诞生一方面是受西方艺术歌曲的影响,而另一方而应归功于中国的新文化运动。在新文化运动以后,一批具有国学功底,在创作上崇尚个性、自由和感情表达艺术思潮与中国传统文化艺术相结合,成就了中国的艺术歌曲。从总体上来讲,艺术歌曲是诗与乐高度融合的音乐艺术载体,既包含有诗意的文学成分,又具有强烈的音乐本体的抒情性和歌唱性。
因此,中国的艺术歌曲如同坚忍的中华民族,具有高雅、细腻、含蓄、理智的性格特征,常常用音乐语言描写外在的环境和气氛,歌曲曲调清新优美悠长,词曲的结合如同中国的国画,音乐与中国诗词的结合表现出一种语言的音乐性,营造出一种“只可意会,不可言传”的意境美。
20世纪初产生的中国近现代艺术歌曲是我国音乐文化中的瑰宝,中国艺术歌曲自诞生发展到今天,在中国的各历史时期都产生过一大批受到当时人民群众欢迎的作品,并且这些作品大多数具有鲜明的时代特征和丰富的内涵,形象地反映了所处时代的现实生活与思想情感。现实主义的创作思想一直是我国作曲家创作艺术歌曲的主导思想;借古喻今,反映时代以及对祖国大好河山与美好生活的歌颂赞美,始终是中国艺术歌曲创作的主要题材。早期的赵元任、黄自等人在艺术歌曲方面的创作实践,就以民族性为目标,不断吸收西方优秀文化、借鉴西方作曲手法,大胆实践中国艺术歌曲创作的民族化。所以,力求创作出有中国民族特色的艺术歌曲是近现代我国作曲家所追求的方向。
在中国艺术歌曲民族化上,“古为今用、洋为中用”,继承和发扬中外优秀音乐文化遗产和宝贵经验,对中国传统文化的精髓和民族审美情趣等进行更深层次的挖掘的同时,学习和借鉴国外的音乐创作技法和经验,从中获得丰富的音乐创作养分和灵感。罗艺峰教授曾将中国艺术歌曲的性质概括为以下几个方面:带有明显的室内乐性质、趣味高雅而内在、是创作而非民歌、形式精致而规模不大、演唱声音修炼而有控制、具有诗性的境界和深刻的情感以及个人性的表现与美学追求。并指出中国艺术歌曲之“人的发现”是其哲学化存在的根本;“内在性”是其美学品格要素;“小叙事”是其创作的出发点;“精致”是其雅文化的表现。
中国人讲求含蓄,在音乐表达上也是如此。总体上来说,中国音乐的创作喜好将主题思想放在最后,正如一句诗中描写的那样,“千呼万唤始出来,犹抱琵琶半遮面”。而西方音乐讲求豪放,属于开放式的风格,一开始就出现主题,然后再慢慢阐述具体内容,有震撼力。
在整个西方文化中,还没有哪一个人物能够像耶稣基督这样在艺术中得到如此多的表现。在音乐而言,博爱、宽容、谦卑中透着坚毅刚强,为人类无私奉献的耶稣基督,成为一代代音乐家着力表现的一个美学意象,成为音乐中一个永恒的审美理想。
西方自古希腊音乐体现为对音乐结构的动机、乐汇、主题、乐句、乐段及各种曲式、各种体裁探索的肇端。即探索它们本身的意义和它们在结构中的作用,探索它们的表现能力等等,侧重于从音乐结构的内部来研究音乐,探索音乐的表现力和音乐的美学。因此西方艺术歌曲内容明确、技法简练、创作快捷且直抒胸臆,它能快速捕捉瞬间情感,使一部个性鲜明的音乐作品在相对较短的时间内完成并生动、感人。
形式逻辑在希腊发端后,大大地推动和影响了西方哲学与科学的发展。正因为希腊 形式逻辑较为发达,因而西方后世音乐艺术的曲式进入专业创作后就得到了有意识的发展,有一段的民歌、民谣,有单、复二段体和三段体曲式,有回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式。不仅有各种各样的体裁结构,而且还善于适中地运用各种形式去表现各种情感、思想、内容。
风俗习惯、历史典故等文化壁垒是文化差异的有形的外部表现。而其内在的、无形的表现则是由于民族心理原型差异。在西方,人们更多的倾向于一种意识形态,即宗教和神学。所以,神秘的宗教便成为西方古代社会赖以生存和发展的基础。西方文化从本质上讲就是宗教文化。而在审美方式上中国在古代审美思维方式上是 “贵悟不贵解”,主张审美主体要进入“悟”的心理状态去体验美和创造美,要求审美主体在“心与物会”、 “情与景合”的浑然统一中,去体悟宇宙万物的生命意蕴和美的性质。
具体的中西方音乐审美差异主要表现在以下几个方面。
1、中西方由于音乐地域、民族以及时代的差异,所以中国音乐美学和西方音乐美学也存在着差异。
中国的音乐美学思想的源头是儒道两家提出的音乐美学思想,皆由春秋前萌芽状态的诸多音乐美学观点发展而来。中国两千多年的音乐美学发展史,一直都是以儒道两家音乐美学思想为主流。既追求音乐与自然的和谐统一,
人与宇宙的和谐统一,又强调“洪天音真”。反对束缚人生、束缚音乐。所以中国音乐的审美标准是有情感而不狂放,有欲望但却含蓄。中国传统的审美观对中国音乐的营造起着重要的作用。中国音乐追求意境深远、模糊朦胧,以含蓄、淡泊、空灵为上品,以抒情为主和追求意境深远为特征。它所追求的最高境界是意境,美好的意境可以给欣赏者留下美好的想象空间,带来思想上的深化和情感上的升华。 而西方美学发展过程中则主要有两大思想流派,即“他律论”和“自律论”。所谓“他律论”强调的是音乐的美受音乐形式之外的(包括情感社会)影响,它强调一种内容,内容决定形式,即情感音乐美学;而“自律论”正好相反,它强调音乐的美仅仅来自音乐自身,内在的要素决定音乐的形式美,强调音乐的内容。
2、从音乐作品特点的比较,中西方因思维方式不同,在音乐上表现出不同的特点。
简而言之,中国为“一曲多用——重再创;西方为专曲专用——重原创。”“一曲多用”是以尊重原有作品的风格和原有欣赏习惯为价值取向的,创作中仅将某“基本曲调”稍加变化,可赋予该曲以新的内涵。“专曲专用”则以作品的个性为追求目标,无论在作品的形式上还是在创作技法上,均以不重复别人、不重复自己为原则。
3、从音乐作品的创作方式上看,中国与西方的创作也有所不同。
中国传统音乐作品的创作方式,具有集体性,一二度创作的一体性等特点。所谓集体性,是指作品中所凝聚的劳动不是某一作曲家的个人行为。所谓一二度创作的一体性,是指创作时,作曲家是歌唱家或演奏家于一身的。作曲的同时也就是歌唱或演奏的过程,没有一二度创作的分工,具有极强的即兴性。而西方音乐作品(主要指西方专业作曲家的作)的创作方式,具有个体性,一二创作分离的特点。西方音乐作品属于作曲家个体劳动而为,体现出浓厚的个性特征。同时,在一二度创作上呈分离状,即作曲家的创作仅仅是完成乐谱而已。
从审美观念来观察中西方音乐我们发现,中国音乐讲究作品的意境、气韵,强调创作的神妙,风骨,注重表现的含蓄、婉转,喜好艺术形式的中和适度。而西方音乐一开始就带有浓重的宗教气息和道德教化色彩,表现形式较为固定,常给人一种庄严肃穆的神圣感。随着其自身的发展,西方音乐逐步加入上生活气息和现实性,对感情的表达直白、激烈,具有强烈的情感表现能力。到了20世纪,西方光怪陆离的音乐现象已很难被人理解和接受。但是,中国的艺术歌曲创作将中国诗歌文学、中国民歌与欧洲传统技法、中国传统音乐技法,现代创作技法有机地结合在一起,形成了丰富多彩的具有中国民族特色和风格的艺术歌曲。欧洲艺术世界此时受到东方文化的滋润并逐步渗透到欧洲的文化情趣和生活之中,而欧洲作曲家对中国音乐的兴趣,也开始从异国情调与题材上表现了出来。打开了西方人的文化视野,掀起了一股“中国文化热”。
总之,随着文化发展的日益国际化,多元化,追求多层次、高品位的精神享受已成为社会时尚,具备时尚品位、典雅风范的艺术歌曲其审美价值逐步受到人们的关注,使得艺术歌曲在人们精神享受空间中得到了空前繁荣。由于社会文化背景的不同,带来音乐创作手法及审美观的差异,我国艺术歌曲创作是在与欧洲文化的不断碰撞中交融,借鉴西方音乐精髓的同时,充分肯定其本土性,在保持原有风格的基础上逐步的借鉴、进步。
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[4]王登峰,崔红.解读中国人的人格[M].北京:社会科学文献出版社,2005.
[5]蔡际洲.从思维方式看中西音乐之比较——关于中国音乐研究 与创作的哲学反思[J].音乐研究,2002,(3).
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在艺术类型中,音乐是比较抽象的艺术,音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。东方以中国为首的中国古代理论基础是五声音阶,即宫、商、角、徵、羽,西方是以七声音阶为主。以下是今天读文网小编为大家精心准备的音乐类学术论文范文:音乐中的环保思考。内容仅供参考,欢迎阅读!
历史悠久、地大物博的古老中国,不同地貌、不同地域、不同气候形成了万水千山的丰富自然景观,深厚的文化积淀形成了无可比拟的人文景观,这些都构成了千姿百态的生态环境。如何才能发挥她的魅力呢?这就在于环保。近年来,我国企业纷纷推出绿色环保家电、室内装修环保、环保食品与食品环保等,这满足了消费者追求新颖、舒适、安全、健康、环保的消费心理。作为民族音乐的学习者,我们应该思考民族音乐中的环保理念,共同为宣传音乐环保作品出力。
音乐中的环保在声乐作品、器乐作品、民乐合奏作品及西洋作品中都有所体现。如声乐作品中有《共同的家园》、《美丽的草原我的家》、《地球之歌》等,古琴曲《高山流水》、《梅花三弄》、《阳光三叠》等,琵琶曲《阳春白雪》、《西江月》、《夕阳箫鼓》等,古筝曲《渔舟唱晚》、《雪山春晓》等,笛子曲《荷塘月色》、《苗岭的早晨》等,扬琴曲《春到清江》、《泉水叮咚》等,唢呐曲《百鸟朝凤》等;民乐合奏作品有《彩云追月》、《月儿高》、《春江花月夜》等;还有环保音乐剧《滴海》,主题为“关爱、感恩、行动”,以环保为题材,倡导珍惜资源,吸收中外音乐剧的表现手法,以人类赖以生存的水资源为核心,诠释看似平淡、实则深刻的环保理念,以一个感人至深的童话故事,用未来的视角、回望人类在发展过程中对地球母亲造成的影响和破坏,人们在欣赏音乐剧独特魅力的同时,也感受到来自心灵深处的震撼。
素有“中国的小提琴”之称的二胡作为中国乐器之精华,其具有环保理念的作品很多,也许作曲家在创作时只是一时的灵感,但在后人的不断推敲中,逐步发现其中蕴涵的新元素。如二胡曲《江南春色》、《姑苏春晓》、《春诗》、《燕赵春潮》、《二泉映月》、《平湖秋月》、《空山鸟语》、《秋韵》等,这些作品从不同的角度,以不同的艺术手法为春天歌唱,显示万物复苏、生态更新的自然节律;为秋天赞歌,表达对丰收的喜悦、对人生的感慨,寄托人类与自然共同欢跃的美好情态。下面我就其中一首作品《秋韵》谈谈个人的感受。
刘文金先生是一位跨世纪的民族音乐作曲家,《秋韵》是他于1989年创作的一部二胡音乐作品。在20世纪90年代末,一方面刘文金先生正是52岁中年,无论在事业、家庭方面都处在一个成熟的阶段,另一方面整个中国二胡的创作、技巧发展也处在成熟稳定的时期,《秋韵》这部作品就在这样的背景下诞生,这无形中预示着作曲家生命的秋天、二胡发展的秋天的来临。
秋,无论是对于一个人还是一个民族,都有宽泛的含义,具有多重色彩,秋天,没有春天的春意盎然,没有夏天的火热激情,更没有冬天的寒风刺骨,她更多的是秋的感慨,没有夸张的对比,有的是复杂的情感色彩和细腻的感情层次。对“秋”的理解可以说有千百种,不同的年龄、不同的环境、不同的经历、不同的演奏者有不同的理解和感受,有人到中年的成熟稳重,有对金秋收获的喜悦赞咏,也有秋天的沉思、迷茫、多愁善感……在这个作品中作曲家将中国传统的诗词吟诵风格与民间音乐的“小调”风格有机地相融,从而在浓郁的民间风格音调中透出飘逸洒脱的“文人”气质,使作品的音乐意韵得到传神的表达。
环保的作品有很多种,有宣传人类保护地球的愿望的,有保护动物、树木、生物等人类资源的,有赞美大自然、表达人与自然和谐相处的等,《秋韵》就属于最后一种,古代人对于心灵与自然相和谐的精神追求,已经具有明显的环保倾向。如对春的欣喜、对夏的描绘、对秋的赞美、对冬的吟诵中就内含人们对自然的感受,与自然的交流,从自然中获得的精神源泉。这部作品的内容正是通过对收获金秋的赞咏,表达出对创造更美好未来的乐观信念,在此我们可以深刻地体会刘文金先生创作时对人生的感叹、对二胡事业发展的无限乐观的环保理念。
《秋韵》这部作品主要强调“韵”,这里不是风格的韵味,而是一种“意韵”,是一种内心的表达,即经过无数奋斗的坎坷、无数憧憬与希望,人生总是酸甜苦辣一应俱全。难就难在“形散而神不散”,接触民乐多年,在每次演奏时都有不同的感受,我深深地体会到在演奏这类作品需要心境、需要静心、需要修养。这也许就是因为这部作品有深刻的环保内涵。要演奏好这首作品,演奏者除了要有扎实的演奏功底外,还要注意提高中国古典文学的修养,学习一些唐诗宋词、中国画、书法、太极拳等,触类旁通,形成个人的独特气韵。
作为欣赏的审美主体在倾听《秋韵》这部作品时,由于不同的年龄和阅历,感受肯定是不同的,对于中年人来说,也许就像是自己的写照,生活的酸甜苦辣,喜怒哀乐一下子就呈现在面前,仔细想想,生活就应该是这样丰富多彩的,没有痛苦的经历就永远无法知道什么叫做幸福,没有对秋的忧愁、思索,就体会不到秋收获时的喜悦。总之,我们要时刻保持乐观的心情,笑着面对生活,生活也会笑着对你,如此,生命将会更美好。
音乐与环保的话题既古老又年轻,北京奥运会主题曲《我和你》中词曲作家都渗透了环保的理念,演唱家们在倾心演绎时也在传达世界的和谐及同一个世界、同一个梦想的环保思想,全世界的听众都为之感动。作曲家谭盾在最具前卫实验性色彩的作品《水乐》中融合了环保的理念、水乡的文化和天人合一的哲理,还有《纸乐》、《圭乐》,未来还可能有《火乐》、《木乐》、《金乐》等一系列环保作品,让我们听到自然,听到中国人憧憬的梦想,重新唤醒对人与自然关系的思考。音乐中的环保,环保中的音乐,只要我们共同努力,整个世界就将成为一个和谐、环保的地球村。
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音乐在传达和表现情感上,优于其他艺术形式,是因为它所采用的感性材料和审美形式——声音最合于情感的本性,最适宜表达情感。或庄严肃穆,或热烈兴奋,或悲痛激愤,或缠绵细腻,或如泣如诉。音乐可以更直接、更真实、更深刻地表达人的情感。在所有的艺术形式中,音乐是最擅长于抒发情感、最能拨动人心弦的艺术形式,它借助声音这个媒介来真实地传达、表现和感受审美情感。以下是今天读文网小编为大家精心准备的:新课标中“音乐审美”探讨相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
爱美之心,人皆有之。人类的美来自于他们对社会的长期实践,人们对美的追求一直贯穿着人类社会和历史的发展。音乐是人类追求美的一种重要形式和载体,我国早在西周时期,孔子就以“兴于诗,立于礼,成于乐”肯定了音乐艺术对人有着重要的教育作用。现在,音乐课程已经是学校素质教育的重要组成部分,是实施美育的主要途径,对学生进行音乐审美教育不仅能激发学生丰富的创造力和想象力,而且可以净化心灵、培养高尚的艺术情操和情感。然而,在过去传统的音乐教育中,主要是对学生进行专业知识的教学和基本的音乐技能训练,从而忽视了学生的审美,缺少了学生对美的体验和表现美、创造美的实践能力,违背了音乐教育的本质。根据新课程标准和音乐教学实践的要求,我认为在中学音乐教学中,一定要把新课标中提出的音乐教育的本质――以审美教育为核心这一基本理念贯穿于我们的整个教学中,这包括课前的目标制定,以及组织教学的过程和最后的教学评价和反思。
2011版新课程标准要求我们改变传统的音乐教学模式,强调对学生审美体验和审美能力的培养,要淡化对音乐知识的教学和音乐技能的训练,当然也不是完全排斥音乐知识和专业技能,而是要通过音乐知识的学习,从而引导、带动、激发学生在学习的过程中感受美、发现美、表现美和创造美。
例如,我在人音版高中教材第二单元第二节《高亢的西北腔》这一课教学时,通过对《普通高中音乐课程标准》的研读、以及音乐鉴赏模块的单元教学提示,总结了出一项重要内容,那就是:“学习中国传统音乐,感受体验音乐中的民族文化特征,认识、理解民族民间音乐与人民生活、劳动、文化习俗的密切关系。”而教材第二单元第二节的就是以学习中国传统音乐,感受、体验中国民族音乐为中心的音乐欣赏课,而在以往传统的音乐教学中多的是教师的讲解和范唱,整堂课都是教师在唱独角戏,课堂氛围较为枯燥、单一。所以,这节课我在备课时故意突破了教材的框架,另辟溪径,我的教学目标的第一点就是能认真听赏《三十里铺》《山丹丹开花红艳艳》《无锡景》等歌曲,感受不同地域汉族民歌的不同风格特点。在这里我把风格对比强烈的陕北民歌同江南民歌进行了听赏,在我的引导下让学生利用其直接审美的经验和已有的知识水平、去比较不同地区音乐风格,引导他们体验、探究音乐作品中的风格特点。那么教学的第二个目标就是让学生能积极参与陕北方民歌风格特点形成原因的体验、交流、探究,大胆表述自己的感受和见解。从而让学生学会用学到的知识去分析各地区、各民族民歌风格形成的原因,培养学生的音乐审美理解能力和建立他们的多元文化知识。最后在听、赏、体验、探究的基础上,总结出民歌的形成的原因是和人民生活、劳动、文化习俗、自然环境等有着密切的关系。
所以,通过这堂课我们不难看出,音乐教师在备课制订教学目标时就要将审美体验作为前提,尊重学生的年龄特点和学习特点,“按照美的规律来建造”进行创造性的探索和实践,才能够实现新课标提出的目标。
所谓兴趣就是人们对事物或活动所表现出来的积极、热情和肯定的态度,并由此产生参与、认识和探究的心理倾向。心理学研究表明:兴趣与人的认识、情绪、意志、能力有着密切的联系,当一个人对某种事物产生了浓厚的稳定的兴趣时,他将主动积极地思索、大胆地探索其实质;他对事物的观察变得敏锐,逻辑记忆力加强,想象力变得丰富,情绪变得高涨,克服困难的意志力得到增强。
美国近代著名心理学家布鲁姆指出:“学习最好的刺激乃是对学习材料发生兴趣。”兴趣是学习的动力,是学习的老师,学生在兴趣引导下才能更专注地学习,更能体会音乐中的美感,所以我在安排每个教学环节时都把“是否有助于培养学生的学习兴趣”作为衡量安排恰当与否的标准。记得在一次《流行音乐》的欣赏课上,我为学生播放了美国歌星迈克尔杰克逊的《太空步》视频,并让他们和我一起模仿这一舞蹈动作,顿时课堂氛围活跃,就这样在欣赏课中,学生通过自己的表演和创作,从中获得审美体验、创造的兴趣都得到了培养和提高。
《音乐课程标准》指出:音乐课程评价应充分体现全面推进素质教育的精神,贯彻标准的基本理念,着眼于评价的教育、激励与改善的功能,通过科学的课程评价,有效地促进学生发展,激励教师的进取,推动音乐课程的建设与发展。
过去传统的音乐学业评定方法是平时考查和期末考试两种。这种考查通常是用做一张乐理试卷得出的分数来作为你本学期的最终音乐成绩。且每个学期的考查内容、方式基本如此,或一歌定成绩、或一卷定成绩、或一曲定成绩,考试内容贫乏,方法简单、标准不一,评价随意或徒有形式,更有甚者还打感情分。这种传统的音乐教学评价方式使得学生自尊心、自信心得不到很好的保护,如此这般,学生势必失去对音乐的兴趣。音乐课上大多数学生的音乐基础和音乐感觉是参差不齐的,更有“五音不全”者,但老师并不能因为他歌唱得不好或音乐技能不好就评价他音乐成绩不好。我在上一节听赏课《渔舟唱晚》时,一个平时歌唱音准不好的学生却在听赏后用生动形象的语言描绘出一幅渔船披着霞光的美丽画面,另一个节奏感不好的学生还用画笔把这美丽的画面生动地勾画出来。这样的学生老师能因为他们音准、节奏不好就评价他们音乐成绩不好吗!
音乐是美的艺术,音乐教学就是要努力让学生感受世界中的真、善、美。在我们的课堂上,不要过分地苛求某几位学生的声音不够优美或者节奏不够准确。我们要真诚地引导学生步入音乐美的世界。我相信,在新课程标准的指引下,音乐教师的教学理念将更加科学,所有音乐教师将会以开展学生思维的源泉为本,让音乐的审美教育意义真正得以体现,让所有学生都能在音乐课堂中得到美的享受、美的陶冶。
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流行歌曲准确的概念应为商品歌曲,即以赢利为主要目的创作的歌曲。它是商业性的音乐消遣娱乐以及与此相关的一切“工业”现象。它的商品性是主要的,艺术性是次要的。以下是今天读文网小编为大家精心准备的:对流行歌曲进入中学音乐课堂的思考相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
流行音乐,指那些内容通俗、情感真挚、结构短小、形式活泼,为大众喜爱、欣赏并广泛传唱使之流行一时或更久的乐曲或歌曲。流行歌曲具有很浓的时代气息,易学易记,节奏时而欢快激昂、热情洋溢;时而宛转悠扬、轻吟浅唱;时而悲悯动人、如泣如诉;再加上电声乐器的奇妙音效,很容易跟中学生的迷茫、苦闷、憧憬、欢快等情绪产生情感共鸣。所以,流行歌曲十分受中学生的欢迎。如果能够因势利导,将流行歌曲中的积极因素运用于音乐课堂,必然会对音乐教学有极大的帮助,提高学生学习音乐的积极性,促进学生知、情、意、行等方面的发展。
1.顺应教学改革的潮流
随着我国经济社会的快速发展,文化教育体制出现了“百花齐放”的多元化格局。音乐教育也面临着这个必然趋势,改革打破了传统思想教育的束缚,据《音乐课程标准》的最新阐述:音乐教育应以审美为核心,音乐的审美活动应当围绕学生健康和高尚的审美情趣以及积极乐观的生活态度展开。按照这个标准,流行音乐是可以进入中学音乐课堂的。流行歌曲容易进入中学生的内心,优秀的流行歌曲可以发挥激励学生、陶冶情操等作用。
2.激发学生学习音乐的兴趣
流行歌曲满足了中学生的情感需要、从众需要和模仿需要。现在学生的学习压力很大,流行音乐无论是激昂的还是婉转的都可以帮助学生舒缓压力、宣泄情绪。流行歌曲由于其广泛的传播,在中学生当中形成了一定的文化氛围。另外,中学生的模仿能力很强,流行歌曲通常有欢快激烈的舞蹈、激情洋溢的歌声,再加上媒体的宣传,使其深深吸引了中学生,当中的歌手便成了中学生的模仿对象。而且,流行歌曲会拉近教师与学生之间的距离,形成和谐愉快的教学氛围。
1.谨慎选择歌曲
音乐是大众化的,所以必然有各种各样的观念和情绪,对于人生观、世界观尚未成熟的中学生来说,社会上的一些现象还不能正确判断,一些消极的歌曲比如表现游戏人生态度的、过分渲染爱情的哀伤、失落情绪等歌曲是不适合在课堂上展现的。音乐科教师应该选择内容励志、积极健康、时代感强的歌曲进行教学,拒绝格调低、内容消极的歌曲,并引导学生逐渐形成正确的价值观和人生观。
2.流行歌曲不可过量
流行音乐只是作为中学生音乐教学过程中的补充元素,并非主导教学的内容。教师不能为了提起学生的兴趣而一味偏好流行歌曲,忽视了原有的课程,这样做不利于音乐学科教学目标的实现,因此,音乐老师应当把握适量原则,合理利用流行音乐,使其更好地为教学服务。
1.引入励志类歌曲
中学生普遍面临巨大的考试和升学压力,听一些励志音乐可以缓解由于长期高强度的学习导致的疲劳和紧张情绪。在学习的过程中,难免会遇到挫折和困难,教师应该在这种时候鼓励学生倾听励志歌曲,重拾自信,继续投入战斗。如信乐团的《海阔天空》,TFboys的《梦想起航》等歌曲激人奋进,能帮助学生树立自信心,能使学生精神饱满,活力十足,勇敢地面对挫折,克服困难,在得到音乐熏陶的同时也利于身心健康。
2.由流行歌曲延伸至音乐教学内容
音乐是相通的,教师可以把流行音乐当作铺路石,延伸到传统音乐或古典音乐,这样既能够达到教学目的,又可以调动学生上音乐课的积极性,一举两得。笔者曾经看到一个成功的例子,讲的是一位音乐教师在讲述莫扎特的音乐时,由于学生对古典音乐感到十分茫然,他就举了S.H.E的《不想长大》这首歌,大家很快就齐声唱出来了。唱完之后,老师再播放莫扎特的第四十号交响曲,这时学生会发现这两支曲子有很多相似之处,于是老师便顺理成章地讲述《不想长大》正是由莫扎特的作品改编而来。这种方式能够迅速拉近学生与古典音乐的距离,让学生领悟到原来流行音乐汲取了古典音乐的营养,让接下来的授课变得轻松愉快,学生也会听得津津有味。戏曲知识也可以用同样的方式讲解。这些知识可以融会贯通,帮助学生理解和学习,让学生不光知道流行音乐的美,还了解古典音乐的美。
3.在音乐课堂中引入爱国教育歌曲
爱国主义教育是中学生必须接受的教育之一,爱国主义是一种高尚的民族情感,很多流行歌曲都有爱国的思想。如《龙的传人》《东方之珠》《大中国》《我的中国心》等,通过欣赏这类歌曲,学生可以感受到坚定的民族自尊,充满高度的爱国激情,达到催人振奋、使人上进的目的。
流行音乐进入中学的音乐课堂是新时代的必然趋势,教师所要做的就是严格把关、正确引导,把积极、健康、广受中学生喜爱的流行歌曲与课堂的教学内容如古典音乐有机结合,使学生了解各种类型的音乐,培养正确的音乐审美观念和音乐素养,提高鉴赏能力,享受音乐带来的无限乐趣,丰富课堂内容,提高教学水平,帮助学生形成正确的人生观、价值观,提高中学生的综合素质。
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世界著名教育家苏霍姆林斯基曾说:学校教育过程的素养,在许多方面决定于学校生活由于音乐的精神而充实到什么程度.他还说过:借助于音乐,唤醒了人身上关于周围世界和自身中崇高的、雄伟的、美好的东西的观念。可见,培养学生音乐审美素质至关重要。以下是读文网小编今天为大家精心准备的:关于小学音乐审美教育分析相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:本文首先对审美教育的作用进行分析,并在此基础上探讨小学音乐审美教育的方法,以此来为日后教学工作的开展提供一定的参考依据。
关键词:小学音乐 审美 教育方法
音乐作为小学教学体系中的一部分,对于培养学生全面发展具有重要意义。伴随着素质教育理念的不断深入,小学音乐教学也被给予了高度重视,教学目标也逐渐向促进学生全面发展的方向迈进。因此,为了能够将该目标顺利实现,小学音乐教师必须注重审美教育的有效开展。
(一)有利于培养学生高尚的道德情操
道德情操的培养是学生全面发展中的一项重要内容,也是教育教学开展的一项重要工作。培养学生高尚的道德情操,离不开音乐审美教育。在音乐审美教学过程中,通过音乐的旋律和氛围,能够让学生感受现实的美好,使其人格得到美化,心灵得到净化,从而使其对善恶形成正确的认识,形成完善的人格,拥有高尚的情操。比如说,在教唱国歌的时候,为学生创设一个严肃的学习氛围,让学生仔细聆听整首歌的旋律,使其在激情高亢的旋律中,激发学生的爱国热情和对革命先辈的崇高敬意。
(二)有利于促进学生身心的健康发展
相对于其他学科来说,音乐学习可以带给学生一种美的感受,无论是旋律、意境,还是歌词,都蕴含着音乐的独特魅力,不同音乐带给学生的感受也不相同,有催人奋进的,有令人陶醉的,也有令人遐想的。学生学习音乐的过程,实际上就是欣赏美、感悟美、体验美的过程,久而久之,可以为学生塑造一个高尚的道德人格,促进其身心的健康发展。由此可见,小学音乐的审美教育对于促进学生身心的健康发展也具有重要意义。
(三)有利于培养学生的想象力和创造力
随着我国教学体制改革的不断深入,传统的音乐教学方法已经无法满足小学音乐的教学需求,因此,要求教师在教学活动中,应该结合实际的教学内容和教学目标,设置教学情境,教学情境的设置除了要与教学内容有效结合之外,还要尽可能生动、有趣,以此来激发学生的学习兴趣和想象力,比如说,在对《玩具兵进行曲》进行教学的时候,由于这首歌曲旋律轻快,内容丰富有趣。因此,在教学之前,可以让学生带上自己喜欢的玩具,一边听音乐,一边走进事先布置好的玩具王国,再将玩具兵的故事导入。让学生扮演成自己喜欢的玩具兵的角色来进行创造性表演。这样一来,学生的积极性就会被充分调动起来,创造力和想象力也会得以充分发挥。
小学音乐的审美教育对于促进学生全面发展具有重要意义,如何有效开展审美教育也是诸多音乐工作者所面临的一项重大课题。结合当前小学音乐教学的特点来看,教师在开展审美教育的时候,可以从以下几个方面入手:
(一)创设情境,让学生感受音乐的魅力所在
在开展教学活动之前,教师要根据教学内容和教学目标,为学生创设一个优美的教学情境,以此来活跃课堂氛围,吸引学生学习的积极性和主动性,从而使教学活动达到事半功倍的效果。比如说,在对歌曲《大风车》进行教学的时候,教师可以结合教学内容为学生创设如下情境:教师在优美音乐的伴奏下,笑容可掬地走上讲台。在这样的情境下,学生们会感到放松、有趣,精神集中。然后教师通过一些引导性的话语,将本堂课所要学习的内容向学生介绍,学生的热情被激发出来之后,后续的教学活动就会顺利开展,提高教学质量,实现最初的教学目标。
(二)巧设教学过程,引导学生参与审美
处于小学阶段的学生,具有活泼好动的特点,教师在对教学活动进行开展的时候,必须充分意识到这一点,并将其充分利用起来,对教学过程进行科学设置,更好的促进教学活动的开展。在对教学过程进行设置的时候,教师应该尽可能让课堂的气氛轻松、活跃,让学生有参与到课堂活动的欲望。同时,要注重对学生的引导,使其能够随着教师播放的音乐一起参与到活动中,从而更好的强化学生的审美情趣。
(三)优化教学方法,培养审美能力
传统的音乐教学方法,几乎都是教师唱――学生学――学生唱――教师指导的模式,整个教学课堂枯燥乏味,教学方法也显得过于单一,这不仅无法激发学生的学习兴趣,而且也无法实现学生审美能力的培养目标。随着我国素质教学理念的不断深入,想要从根本上将小学音乐审美教育的目标顺利实现,在音乐课的教学过程中,教师要根据学生的学习特点,对教学方法进行适当调整,尽量不要将机械的识谱和练唱分开进行,避免学生产生厌学心理。对于小学音乐教学而言,如果想要从根本上使审美教育目标顺利实现,先教学生唱歌再进行识谱和节奏的练习是一个不错的选择。在这样的情况下,不仅能够帮助学生更好地对歌唱技巧进行掌握,而且换一种教学方法,还能够引起学生的学习兴趣。学生唱出的便不再是干巴巴、毫无生命的音符,而是富于美感的音乐了。
从本文的分析能够看出,小学音乐本身具有较强的艺术性和审美性,对儿童艺术审美能力的培养和全面综合素质的发展具有重要作用,因此,合理选择教学方式是非常重要的。教师应该结合小学阶段学生的特点和教学目标出发,从教学方法上进行改革和创新,这样一来,不仅能够将学生对音乐学习的积极性和主动性充分激发出来,而且还能够从根本上促进学生身心的健康发展。
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卡尔 奥尔夫(1895—1982),当代世界著名的德国作曲家,音乐教育家。1895年7月10日出生在慕尼黑一个有艺术素养的军人世家,受家庭环境的影响,卡尔·奥尔夫从小对音乐和戏剧产生浓厚的兴趣,这为他成为一个伟大的音乐剧大师奠定了基础。以下是读文网小编为大家精心准备的:对奥尔夫音乐教育体系改革的思考相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:本文从分析中国音乐教育的现状入手,基于奥尔夫音乐教育的理念,结合中国现有的教育体系,努力探索出符合中国现状的音乐教育体系改革的发展之路,继而推动整个音乐教育的发展。
关键词:奥尔夫音乐教育体系 改革 学校音乐教育
中国的音乐教育在经历了几十年的发展,形成了具有中国特色的学校音乐教育模式,这其中有好的成绩。其主要包括了中小学音乐教育的管理制度,制定了一系列的教育法规,培养了大批优秀的具有专业技能的音乐教师,并且建设了一定规模的师资队伍,在教学实践过程中引入了多种音乐教学方法,如奥尔夫音乐教学法、达尔克罗兹音乐教学法、柯达伊音乐教学法,以及铃木音乐教学法等等,使得我们在教学过程中有了一定的教学依据,有效地提高了音乐教学质量和激发了学生学习音乐的兴趣,有效地推动了学校音乐教育的发展。
但同时,我们也不能忽视我国的音乐教育体系中所存在的问题,例如教育发展的不平衡,师资水平存在较大的差异,教师的素质有等提高,教学设备的缺少和音乐教学的投入不够。另外还有教材内容编排存在与现今音乐发展的严重滞后等问题。也是由于存在着这些问题,使得如今的音乐教育事业的发展变得缓慢,甚至有的地区的学校音乐教育出现了发展畸形和倒退的现象,这不能不让我们对现今的学校音乐教育的发展产生担忧。
如何能改善现今我国中小学学校音乐教育的问题,就要求我们要做到能够直面问题,结合实践有的放矢的进行改革。本文主要探讨如何将学校音乐教育与奥尔夫音乐教育体系有机的结合,进行音乐教育改革。
《礼记?乐记》有云:“故歌之为言也,长言之也。说之,故言之;言之不足,故长言之,长言之不足,故嗟叹之;嗟叹之不足,故不知手之舞之,足之蹈之也。”人自出生起就会对音乐有一种天生的感受和喜爱,特别是儿童期。儿童期的儿童听到音乐就可以自发的随音乐跳舞、打节奏,所以音乐教育的出发点应立足于挖掘学生音乐潜能。
(一)选择合适的教材
教材是学校音乐教育实践的基础。教材的内容和形式直接决定了我们音乐教学的方向。我国是一个多民族共存的国家,所以就要在我们的教材中体现出民族性,这其中就包括了民族音乐的旋律、节奏和方言等。另外,我国具有悠久的历史传承,所以在我们教材中又要体现出本土文化。最后,在当今的音乐发展中,当代音乐的发展是不容我们忽视的一个重要元素,在我们的音乐教材中也要体现出多元化和全球化。
(二)学生进行合唱训练
合唱训练从始至终贯穿于奥尔夫教育体系之中,其中包括了齐唱、重唱以及合唱,因为人的声音是最自然的乐器,通过歌唱的方式可以最直接的体验音乐,学习歌唱方法,提高歌唱技能。另外,合唱还可以使学生学会团聚力,在合唱的过程中培养学生相互关照、相互配合的能力,让“我”成为合唱队中的一员,而不是作为一个独立的个体存在。让学生能够在玩中学音乐,在音乐中感受快感,从而促进了学生学习音乐的兴趣。
(三)学生进行器乐训练
在我国的学校音乐教育中,器乐教学一直都不如歌唱教学那样的普及,原因有三:其一,器乐的价格成本相对于声乐成本要高很多。其二,很多乐器不便于携带。其三,器乐训练相对于声乐的训练要难很多,要经过长期、不间断的进行训练,就显得很枯燥而无味了。正是因为这三点原因,使得在学校音乐教育中不受重视,甚至于无为问津的地步。
在奥尔夫音乐中,有特别为其特制的“奥尔夫乐器”,价格经济、便于携带、演奏简单而方便,很好地解决了在我国音乐教学中的三个难题,尤其对于儿童的音乐教育更是得到了空前的普及。通过“奥尔夫乐器”的即兴演奏方法配合着其它的音乐教学,使学生在一开始的音乐教学实践中就体会到音乐的丰富、多层次的结构之中,感受到音乐不同的声部、不同的音色、不同的力度,使学生对音乐有了一个整体的、全方位的认识和学习,这种学习方式对以往我们的学校音乐教育独立性的学习方式引发了一场革命和思考。
(四)对奥尔夫音乐教师的培养
要改革现今的音乐教育模式,首要的任务是培养优秀的教师队伍,没有优秀的教师,有再好的教育体系也是在做无用之功。要想培养优秀的教师,就要从以下两点着手:首先是对现有的教师队伍进行改培训,通过实地的观摩和实践,对已有的教育理念进行改革。其次是提高教师的理论研究,真正的理解奥尔夫音乐教育体系的核心理念和思想,才能有效的进行教育实践。在奥尔夫的音乐教育体系中,通过学习口、手、脚等肢体的运动,来学习和掌握音乐的节奏-演唱-表现。通过自己的进行的音乐实践,是进行音乐学习的最好途径。
首先,“以学生为本”应作为学校音乐教育改革的基础,让学生在艺术实践中体验音乐的美,把教学的重心从过去的教师为主体转移为以学生学习为主体,并遵循学生的年龄特征和音乐心理发展的规律,培养学生的创造力,有效提高学生的音乐潜能,引导学生的综合音乐素养的训练。
其次,通过“合唱训练”与“器乐训练”这两个方面对学校音乐教育体系的改革为切入点,强调审美主体,即学生的音乐体验。让学生在玩中学习音乐,感受音乐,是一种由内而外的音乐渗透的过程,而不应该让我们这种审美愉悦成为应试教育的牺牲品。
再次,具有民族个性的教材才能让学生感受到我们中国所特有的音乐风格,具有音乐特色的教材能让学生体验到音乐的魅力。当我们的教材真正能做到特色与个性的兼容,我们的学生才能真正意义上的学习音乐、感受音乐,才能真正了解中国的传统音乐和多元的世界音乐的不同。
最后,作为一名音乐教师,不应是被动的在学习,而应主动的在改革实践中身体力行,从“我”做起,推动中小学学校音乐教育体系的更好完善,让学生在音乐的课堂中更快乐、自由。
在学校音乐教育过程中强调学生对音乐兴趣的培养和对音乐审美功能的建立,通过起发性音乐教育培养出积极、全面的学生个体,开发出他们的创造潜能。在2001年颁布的《我国九年义务教育全日制中、小学音乐教学大纲》(修订稿)中就明确的指出:“要注意思想品德教育与音乐兴趣和音乐能力培养、音乐知识学习的有机结合,教材的选编应体现思想性与艺术性的统一,还应注意科学性与可行性,注意题材、体裁、形式、风格的多样化,突出民族音乐艺术的地位。”基于奥尔夫音乐教育的理念,结合中国现有的教育体系,努力探索出符合中国现状的音乐教育体系改革的发展之路,形成一套完整的具有中国特色的音乐教育体系,发扬光大我们灿烂的音乐文化,继而推动整个中国学校音乐教育水平。
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审美教育有二义:狭义地讲是通过艺术手段对人们进行教育,广义地讲是运用自然界、社会生活、物质产品与精神产品中一切美的形式给人们以耳濡目染、潜移默化的教育,以达到美化人们心灵、行为、语言、体态,提高人们道德与智慧的目的。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅析高校音乐审美教育相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:音乐教育作为审美教育的重要途径,在高校素质教育中占有重要的地位。通过音乐对大学生进行的审美教育,能构建学生完善的审美心理,促进大学生健康成长,能起到特殊的作用。本文以大学生的音乐审美教育的重要性为基础,探讨目前高校音乐审美教育现状,并且对音乐审美教育目前存在的问题进行了分析,探讨加强高校音乐审美教育途径。
关键词:音乐 审美 教育
在高校教育实践中,音乐教育成为素质教育的重要组成部分,音乐审美教育是以审美为核心,以音乐为媒介的教学活动。在任何时候都重视音乐对于人的教育价值,并且对于这种教育价值的认识会随着社会发展而愈加深刻。我国已经明确把音乐教育作为艺术美育的范围,可见音乐教育在教育中的重要性。
高校音乐审美教育是对学生进行审美鉴赏和审美感受的教育,是在教学过程中考虑各种因素,包括教学方法、教学环境、教学目标和教学设计等,有计划、有目的的向学生施加审美影响,音乐的美感陶冶净化学生心灵,塑造完美性格,提升素质情操。探索音乐审美教育对于大学生将来以积极的心态迎接生活中的挑战具有重要的意义。
高校学生是祖国未来希望所在,培养学生审美情怀,塑造良好人格,都有重要意义。美育一直与德育、智育、体育列为教育方针,音乐是一门综合的、最自然、最本质的艺术,是精神世界最真实的反应,通过音乐进行审美教育具有形象性、情感性、感染性和深刻性。
(一)音乐审美教育培养学生的创造力,并提高知识水平。高校音乐审美教育对大学生的影响首先是从大脑潜能和心理健康方面。据科学研究表明,艺术能够提高大脑思维能力,大脑的潜力比较大,音乐有助于开发大脑潜能,尤其是创造思维。通过音乐提高大学生的理解力、领悟力,感受分析音乐的能力,变化为学习的主动性,就能提高学生的知识水平。一旦优秀的音乐作品激起学生的情感,便打开了想象的大门,学生的创新思维就会被活跃、激发。音乐在一定程度上可以消除过度紧张与疲劳,在音乐氛围中学习,可以保持学生的心态平稳,学习效率较高。
(二)高校音乐审美提高大学生心理健康水平。音乐审美教育也是一种“情育”,作用于精神世界,对人的心灵有很大的影响,尤其是情感,在音乐审美过程中,情感是最活跃的心理因素。好的音乐作品凝结了作曲家自身生活的情感体验,是经过提炼形成具有社会普遍性而非纯粹个人的情绪。音响给人的一般感受也是共同的,人人都能感受到的音乐作品中的基本情绪,很容易引起人们的共鸣。音乐审美教育可以对学生情感的陶冶,影响学生的情感意向,丰富情感,最终形成高尚的审美情操,维护大学生心理健康。
(三)高校音乐审美教育可以提高大学生人际交往能力。良好的交往能力对于大学生未来事业有积极的作用。音乐审美教育可以让学生在音乐的感知过程中树立正确的人生观、价值观,增加自信心,让大学生更具有才华和素质,提高内在修养。良好的素质修养,是人际交往所需要的最基本的素养。音乐让大学生在交往过程中更具有美感。另外,音乐更注重音色和谐,尤其是团队一起的音乐,更需要团队彼此配合,才能达到最佳。学生在音乐团体活动中,学会了理解和宽容他们,互相尊重才能完成。由此也培养了大学生团队精神。
目前我国高校音乐审美教育还处于较初级阶段,学生对于音乐最多作为一项爱好,大部分人音乐知识储备不够,学生在接受音乐美育教育的时候缺少独立思考和判断,只有学生懂音乐,理解音乐,才能提高审美的综合素质,另外学校对音乐审美教育重视度不足,也是比较重要的因素。目前高校音乐审美教育存在的问题主要有:
(一)高校音乐审美教育重视度不够。在学校设置审美教育课程时候,大部分为了应付上级部门关于美育教育要求,并没有真正重视起来。所以只设置一些选修课程,例如音乐欣赏等,而且没有把学生作为学习主体,调动学生学习的兴趣,只是为了修完学分。学校专业教师缺乏也是一个原因,学校把大部分投入放在了大学专业课上,至于像音乐这样选修课程根本不会投入大量资源去引进优秀教师,师资力量明显不足,一个教师在授课的教室可以容纳两百多人,难以达到审美教育的目的。
(二)学生自身对于美育教育理解的偏离。当代大学生来自不同的地区,不同的家庭,本身音乐基础差别很大,大部分学生学习音乐都是为了选修学分,课堂上很难融入学习氛围,不能用心去感受和欣赏音乐的美。而平时听音乐也带有很大的随意性和盲目性,仅仅知道流行音乐,而没有关注那些传统艺术,传统的乐器等有较深文化底蕴的音乐。
(三)音乐审美教育的内容、方法和形式问题。目前高校音乐审美教育对非专业学生,教师都是以语言和解说形式来完成教育,教学方法单一,虽然有部分老师能够播放一些音乐让学生听,之后去讲解,但是也不能完全让学生参与进来,学生学习主体的地位没有发挥出来。同时,在教学内容上总是设置成简单的唱歌、跳舞,最多举办一些汇演和比赛。一篇观后感的文章,能够完成一个音乐选修课的学分任务,严重偏离了高校音乐审美教育的初衷。
目前高校审美教育的种种问题和弊端,亟待改进,加强高校音乐审美教育,转变观念,重视和提高大学生的审美素质。
(一)高校音乐审美教育更新观念
根据教育部改革要求,落实高校音乐审美教育的任务和目标,培育高层次综合素质人才。高校必须树立素质教育观念,转变思想,为高校音乐审美教育提供支持和保障。如能够像英语和计算机一样成为一种规范化、制度化的必修课,必将提高学生的多方面才能。学生也应该从本质上认识到音乐美育教育的重要性,主动参与,积极思考,漫不经心的态度很难提高分析理解力和创造能力的。
(二)提高校音乐美育教育教师队伍的整体素质
高校音乐审美教育可以提高大学生的综合素质,但是目前高校音乐教师的素质却有待提高。高校音乐审美教师最起码应该具备高尚的道德品质,用自己的人格魅力影响学生。同时教师也应该有高度的责任感,能够把美育教育不仅仅作为自己工作任务,更应是自己的社会责任。较强的知识水平、扎实的基本技能和合理的知识结构是音乐美育教师应该具备的,这样才能指导学生学习。
(三)教学内容经典性,教学方法艺术性
高校音乐审美教育内容应该选择适合当代大学生学习的经典内容,特别是千百年来前辈给我们留下来的传统民族音乐。选好经典内容,再选择适当的教育方法。现代科学技术发展正改变着传统的教学手段方法,多媒体网络出现,让音乐审美教育更丰富多彩,教师不能自己表演的音乐案例,可以通过多媒体技术演示。也可以根据选择内容,让学生分组讨论,发表对于音乐的看法,变被动于主动,提高学生思维能力。
(四)高校音乐审美教育多样性实践
理论要与实践相结合才更能体现价值。学习任何一门知识,有实践为其服务,所掌握的内容就会更全面,更扎实。学生参加演唱、参与弹奏,课外可以成立或加入一些社团、乐队等。多样化的实践,学生可以根据自身的爱好,参与这些活动,最大限度张扬个性,让音乐的美走进生活。
高校是音乐审美教育进行最有利的场所,是人生观、价值观走向成熟的阶段,进行音乐审美教育提升大学生综合素质,让音乐审美深入学生心里。
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音乐是表达人们情感的主要方式,对人们审美能力的培养具有重要作用。小学高年级音乐教学的主要任务是培养学生的审美能力,音乐教师在教学的时候,应该将培养学生的审美能力作为教学的主要目标,不断改进教学方法,与时俱进,促进学生审美能力的进展。如何提升学生的审美能力成为了现在音乐教学面临的主要问题。以下是读文网小编为大家精心准备的:刍议如何在小学高年级音乐教学中培养学生审美能力相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:作为直接表达人类内心情感的方式,音乐的美妙对一个人审美能力的培养至关重要。因此,作为一名小学高年级的音乐老师,应该更好地去注重学生们审美能力培养的问题,唯有如此,音乐教学的优势才得以施展。
关键词:小学音乐 高年级 学生审美能力
作为一门极具美感的艺术,音乐让人们内心的情感尽情释放了出来,是表达自我的一种方式,作为一名已有十多岁的青少年来说,小学高年级的学生已经对美有了一定的感知能力,那么如何借助音乐来进一步提升他们的审美能力呢?需要从以下几个方面做起。
作为培养审美能力的基础,激发学生们的审美渴望在培养学生审美能力的过程中绝对不容忽视。激发学生们审美渴望的方法不胜枚举,例如布置富有新意的音乐教室、别具一格的乐器造型再加上舒缓音乐老师的悬念引导,都能很好地激发学生们的审美渴望。比如说在学唱《外婆的澎湖湾》这首歌的时候,先播放舒缓的背景音乐,然后老师再制造悬念:“同学们,你们知道澎湖湾在哪吗?有没有跟爸爸妈妈一起去那旅行过呢?澎湖湾又有哪些迷人的风景呢?你们是否想了解这首歌取名为《外婆的澎湖湾》的由来呢?”这样一连串的疑问把学生们的注意力很好地吸引过来,从而激发了学生们的审美渴求,这时再接着说:“你们想要知道的答案可都隐藏在这首歌里呢?你们想不想找到呢?”一下子又让学生们把注意力转移到了所需要学的歌曲里,进而引导了他们带着众多疑问去寻找音乐中美的所在。
作为一个人来说,我们必须要有一定的审美能力,否则我们就很难发现身边的美,也就不能好好地去享受生活了,所谓感知能力,就是指我们对一件事物的感性理解的一种能力,审美感知能力就是只对审美的初步感性理解的过程,那么,作为培养审美能力的前提条件,审美的感知能力在教学过程中也应当被教学者们高度重视。比如在教唱《浏阳河》这首歌的时候,教师在上课之前可以搜集关于浏阳河的视频或者图片,然后在上课的时候可以先简单介绍一下《浏阳河》的创作背景:它是一首脍炙人口的经典民歌,诞生之初也只是湖南花鼓戏中的唱段,它的故事可以追溯到1950年的湖南土地改革之初,其创作者徐叔华某天在听到车轮碾压泥土时发出的咿呀声之时突然联想到丰收的景象,由此灵感大发,进而创作了流传百年的《浏阳河》,讲完之后便可以运用多媒体,播放关于浏阳河的视频或者图片,将浏阳河的景象形象地展现在学生们的面前,再加上之前对浏阳河创造背景的讲述,使学生们可以对《浏阳河》这首歌曲有了更为深刻的感知,从而形成了审美感知。
音乐艺术具有一定的抽象性及模糊性,这就需要学生们有较强的想象能力,才能真正领略音乐中所蕴含的美。想象是对已有知识的扩展与延伸,故而要想培养学生们的审美能力,必须要以一定的想象力为基础。例如在欣赏的《渔舟晚唱》的时候,教师们可以在保证教师相对安静的基础之上让学生们闭上眼,然后播放这首歌,在学生们欣赏的同时,教师可以用极为轻柔的声音慢慢讲解:“在一个夏天的傍晚时分,一位年迈的老伯站在一艘静止在湖中央的小木船上,他激昂地对着湖面歌唱,不为四周的一切所动,仿佛这天地间就只剩下他与他的山歌了,他的声音沙哑而动听,和蔼地微笑着……”在这样一个过程中,教师们引导着学生慢慢地去感受音乐的美好,音乐中的情景也逐渐浮现在学生们的脑海之中,实现了对审美能力的升华。
音乐不仅给予了学生们想象的空间,而还给了他们创造的自由,作为一名优秀的小学高年级的音乐教师,不仅需要传输给学生们音乐知识,让他们感知和想象音乐的美,还要激发和培养学生们的音乐创造能力,从而综合提升学生们的审美能力。比如说,教师可以在让学生们欣赏完音乐之后还可以让他们思考一下那首歌曲的主题以及所表达的情感等,或者还可以让学生们上台即兴表演。笔者曾经在教同学们《小红帽》这首歌的时候,先是教他们音符的发音,然后带着他们唱了一遍音符之后把歌词添上再带唱两到三遍。之后,随机点了几组学生上台表演这个故事,让他们自由发挥,这样才能充分激发他们的创造能力,让他们享受到了音乐的乐趣,也锻炼到了他们的表达能力以及各方面的能力,对审美也有了更深刻的认识。
综上所述,在新课改的形势之下,小学音乐教师不能再像过去一样敷衍了事,而是要真正地去利用音乐这个资源更有效地去培养小学生们的音乐鉴赏水平以及一定的审美能力。在音乐教学过程中,教师不仅要学会发现学生们在音乐方面的天赋,同时还要充分利用学生们的音乐天赋去培养学生们对音乐的热爱,去发现音乐中的美、体验音乐的美,从而引导学生们去感知美、想象美、创造美,最后形成一定的审美能力,这让学生们不仅心灵上得到净化,情感上得到抒发,更重要的是人格魅力得以提升。
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由于中国传统思维的影响,中国人音乐审美心理中具有阴柔偏向,同时与阳刚相补。中国人音乐审美心理中有着 尚悲 的偏向,其特点是趋向淡化、弱化,偏于阴柔的 悲情 ,体现为 哀而不伤,怨而不愤 ,近于 中和 之美。 尚悲 的 中和 之美不仅成为中国传统音乐的创作原则,而且成为中国传统音乐的审美标准。以下是读文网小编为大家精心准备的:浅谈中国人音乐审美心理中的阴柔偏向相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:对音乐的研究并不是孤立的,音乐与社会的每一个层面都有千丝万缕的联系,也是社会文化的重要载体之一。施咏教授在《中国人音乐审美心理中的阴柔偏向》一文中结合社会发展发展情况对中国人音乐审美中的心理偏向进行了分析,笔者将结合孟德斯鸠的著作《论法的精神》,为施咏教授的观点提供一个较为坚实的论据。
关键词:音乐 审美 阴柔偏向
对音乐的研究并不是孤立的,音乐与社会的每一个层面都有千丝万缕的联系,也是社会文化的重要载体之一。施咏教授在《中国人音乐审美心理中的阴柔偏向》一文中结合社会发展情况对中国人音乐审美中的心理偏向进行了分析。笔者对这一命题深表认同,并结合孟德斯鸠在《论法的精神》中阐述的思想谈一谈自己的观点。
孟德斯鸠在《论法的精神》中阐述的“法律与自然因素、社会因素的关系”。笔者认为音乐是在社会的发展中逐渐被抽象出来的,而法律也是自然法逐渐发展的,音乐审美心理是一个长期的形成的过程,是建立在社会发展的基础上的。帕斯卡尔说:“人的一切尊严就在与思想”,人类对音乐的认识、抽象、发展,无不依赖于自己的思想。所以笔者认为对音乐的审美心理与法的形成是有相同之处的。
施咏教授在《中国人音乐审美心理概论》中提到了中国人的先祖与西方人不同,我们的原始生活模式是采集式的,而西方人则是狩猎式的,这两种不同的生存模式造成了中国人与西方人早期的心理差异。笔者非常认同这样的看法,孟德斯鸠把自然法与人的生命联系起来,根据人的需求,从低级到高级,从感性到理性,自然法的法则分别是:1.和平;2.寻找食物;3.人的自然爱慕;4.希望过社会生活。这是人类特有的品质。
由第一第二点看来,人类在生命不受到威胁的情况下就会想办法延长自己的生命,延长生命的唯一办法就是进食。食物的来源直接影响原始人类的生存状况。不过为何原始西方人普遍不“采集”而原始中国大多不“狩猎”,则是由于各自文明所处的地理差异和气候差异造成的。
根据孟德斯鸠的理论分析,气候差异导致人的差异。欧洲大陆地处北回归线至北极圈,较低纬度地区温度普遍偏低。寒冷地区的人因冷而蜷缩,进化出有力的心脏,在人格上有较强的自信。也就是说,有较大的勇气,对自己的优越性有较多的认识,有较少的复仇的愿望;对自己的安全较有信任,较为直爽,较少猜疑、策略与诡计。相反在闷热的地方,人因为热而困倦,导致心神萎靡。孟德斯鸠说:“如果向他提议做一件勇敢的事情,我想他是很难赞同的。他的软弱将要把失望放进他的心灵中去;他什么都要害怕,因为他觉得自己什么都不成”。所以得出这样的结论:炎热国家的人民,就象老头子一样怯懦;寒冷国家的人民,则象青年人一样勇敢。虽然这样的结论实在有些绝对和片面,但这种类似“进化论”理论的科学根据,在对原始人类思想形成的研究中是相当重要的。因为气候的确可以影响人的体格和对受到刺激时的敏感度。
西方人尤其是北欧人拥有粗壮高大的体格,敏感度低适应能力好,而如非洲地区,尤其是中非内陆地区的人大多身材瘦小,对环境刺激敏感。在人类社会不断的发展中,产生了宗教、风俗、习惯,孟德斯鸠认为:东方各国的宗教、风俗、习惯和法律持久不变的原因也有气候有关。因为即便没有赤道地区炎热,但东方人对外界刺激(心理刺激)的敏感度仍较西方人强,但因为气候造成的身体惰性导致精神惰性,使得人没有反抗精神,一旦接受了某种印象,就不再能加以改变了。孟德斯鸠从进化论的角度,论述了“不和气候的弱点抗争的是坏的立法者”这一观点。他认为印度和暹罗人习惯了静止和虚无,认为静止是愉快的,运动是痛苦的,诞生于这种社会的佛教自然顺应了人们的性格,但同样也导致了无数的弊端,相反认为中国的立法者却明智,通过道德、宗教和法律促使人们“出世”,以推动社会运转。
在气候影响文明的同时,地理环境也是重要的因素。古代中国文明发源于古黄河流域,而后发展长江流域,西南地区,最后遍及整个中原。古代中国所处的地理环境多以平原和冲积平原为主,土壤肥沃,降雨丰沛,山脉也主要以丘陵为主,适宜耕种,因此长久以来,华夏文明都是农耕文明。人生活在其中对土地产生强烈的依赖,他们并不关心所谓的“自由”而只需要风调雨顺,天下太平,保证自己的现有的生活即可。
以上这些因素造成了中国人注重“采集”的生存模式,以及求“安宁”的处世哲学,并且由于中国西部地区喜马拉雅山脉和沙漠构筑的天然屏障,使得几千年以来中国人始终保持着几乎不变的宗法制,并逐渐融入了血液和骨髓。在古代,中国人的“阴柔偏向”或许可以称作“自矜偏向”、“尚悲心理”或许可以称作“奴性心理”。不仅仅在音乐的审美中,在整个艺术的审美中,无不透射着出来。“吾知子之所以距我,吾不言”此句处于墨子之口,或许是个不恰当的例子。但中国的历史上有多少人都是抱着这样的心态。
“阴柔”的内含或许就是“惧怕改变”、“尚悲”的本质或许就是“无力改变”。更多的人,包括现在的我们,多数选择“沧浪之水清兮可以濯吾缨,沧浪之水浊兮可以濯吾足”,而屈原那“美学意义上的悲剧”式的人物也仅仅能吟唱出“众人皆醉我独醒,举世皆浊我独清”,这没能影响中国之后的几千年的历程。而卢梭“把生命献给真理”,在他死后西方世界便掀起了惊涛骇浪,从经济到文化开始腾飞。人们也总说,法国人尚悲,缪塞的情诗是总是给中国人解读成“小家碧玉”的相思。但是真正浸润在血液里的骨气和勇气确实无法改变的,有如荒原上的嫩芽,焦土里的新生。中国人的悲很快就能释然,因为在骨子里总有一个阿桂,何时国人能够悲得深沉,双眼喷火,目光如炬,中华民族才能启蒙,才能觉醒,才能腾飞。
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音乐审美信息系统是人类在长期的音乐审美实践活动中,主体发展出来的音乐审美力同相应的客体通过音乐形象信息交流活动逐步形成的。但音乐审美系统是抽象存在的,它的具体表现形态,则是音乐审美场这个实体结构和不同类型的存在。 音乐审美场是音乐审美主客体进行音乐信息交流活动的时空存在形式,它是由音乐审美主体,以下是读文网小编为大家精心准备的:浅论音乐审美场相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:审美场形成实际上是一种最佳的审美现象并且是审美活动的理想境界。音乐作为一门审美的艺术,它需要审美场的形成,需要从“场”思维立足于整体出发去看待音乐美的形成和发展。
关键词:音乐 审美场 审美主体 审美客体 创作 观赏
“场”(field)是物理学解释电磁现象的概念,是指物体在共振效应下形成的空间形态。审美活动是建立在主客体之间的。而审美场指的就是审美主体与审美对象之间互相吸引、互相融汇、互相同构所形成的一种最佳状态的审美现象和审美境界。它与物理场有着惊人的相似性。
何为音乐?按中国古代音乐理论专著《乐记》的说法:“感于物而动,故形于声。声相应,故生变,变成方,谓之音。比音而乐之,及干戚羽旄,谓之乐”。要想成为音乐?声音必须具备以下条件:1.声是按照一定的规律顺序组合排列。2.要进行演奏和表现。这也是我们在后现代音乐出现之前对于音乐的基本定义。
从中我们可以看到,音乐的创作和观赏被分成了三个部分:创作部分、表演部分、观赏部分。音乐是听赏的艺术。它所具有其他学科不具备的最主要特性就是主体的三重性。正是这三重性恰恰导致了在音乐传承过程中所出现的三种不同审美场构成。这三种审美场在彼此相互独立之外从始至终又相互联系。每一个都是我们完成审美活动中的关键要素。
音乐创作是全部音乐活动中的基础。音乐创作家在创作过程中经历了两个阶段。
第一阶段:首先,他要在置身于社会,并且用自己的全部感官去感知社会。从中获取丰富的感性材料。其次,他在获取了这些感性材料以后音乐创作家要进行提炼,要从这些现象中分辨出真善美的东西进行表达。最后,他要从这些丰富的体验中进行自己的情感概括。将它转化为自身的情感体验。
在这个阶段中作者的地理环境和行为环境的影响十分重要。音乐创作家在生活中审视他所觉得“美”的事物,对这一“美”的事物抉择是取决于地理环境对作者的影响。当“美”的事物映象到他们的脑海之中时影响到其行为环境,而最终形成审美表象场。
整个过程是音乐创作家自我――行为环境――地理环境进行动力的交互作用。行为环境在受地理环境调节的同时,以自我为核心的心理场也在运作。从历史唯物论角度出发:人性是个体与类生活的统一,是个性与类意识的渗透。即具有“一般本性”即族类共性又有发展性和差异性,是普遍性、特殊性和个性的统一。音乐创作家在创作之前必定受特定环境场的影响。他重在从各种杂多的内容中提炼自己所需要的个别,将抽象的东西具象化,再通过抽象的音乐语言进行表达。这一过程中主要形成的是外部的审美场。所以在分析音乐创作家的作品时都会首先思考音乐创作家所处的时代背景。
第二阶段:这一阶段音乐创作家以自己情感体验为依据转化为音乐形象。通过自己音乐形象思维的能力,将其转化为乐谱这一物质材料。在这一情景中,音乐创作家的心物场的张力在脑中表现为电场张力;顿悟解除了脑场的张力,将其导向问题的解决,即乐曲的生成。
音乐创作家在这一阶段与“美”的事物之间形成了物我同境的关系。他将客体的“美”与自身结合达到相互融汇的状态。它通过主体与客体的叠合与重合,进一步趋向于完美的统一,随着音乐创作家大量地审美移情,主体的情感、生命逐渐融入到他所创作的乐谱中。将其所积累的相关的审美表象与当前所要表达的审美表象融为一体,成为一个高度系统的新旧表象群落。并将这种群落诉诸笔端。
在音乐创作中的审美场中,主体的动力被得到完全的激发。主体与客体之间一开始形成审美关系。客体立即向主体发射信息刺激;主体的外部感官接受到信息,而我们的大脑就会自动对这些信息进行筛选,对于不符合音乐创作家情义的,拒之门外。对于符合音乐创作家情义的直接保存下来并且原来记忆中间的相关审美表象也都会完全调动,进行重新的分解组合,从而产生音乐创作家心目中想表达的审美意象。
音乐是表演的艺术。而表演者不仅要与音乐作品之间形成直接的审美联系,并且还要进行自己的二度创作。在音乐创作家和观众之间扮演了一个承接者的角色,而这一角色的要求比另外两者更为苛刻。
表演者被要求与作品产生共鸣,要揣度的不仅是作品本身还有音乐创作家最终所产生的审美意象。这时的主体对作品的投入强度直接影响到客体将要被呈现给观众的质量。主体的审美投入强度越高,则他产生的审美享受也就越强烈,主、客体巨大力量的交流碰撞就能形成强烈的审美场效应,当他用他的肢体、语言来表达他的强烈美感时,就会产生十分高效高质的舞台效果。
表演者不能只对作品直接经验作朴素和完整的描述,而且,表演者与音乐创作家由于地理环境和行为环境的限制,他也不可能完全复制出与作者最终所完成的审美意象一样的效果,就算音乐创作家和表演者是同一个人也不可能,因为当时的审美场早已经在作曲者本人的退出中消失了。
所以,他需要一个“内省”的过程,他要将对作品的直接经验分解为感觉或属性,或者是其他某些系统的元素。首先表演者需要将作品中的音乐符号“翻译”为具体的可感的形象信息,然后开始寻求自己的移情因素,运用理性发动思维去比照、评价、理解作品所想表达的意象。构成审美场的初级条件。与客体融汇成一个审美场雏形。随着移情作用影响的越大,表演者所积累的相关相似的审美表象越多。客体审美表象的情态、意韵、生命和主体自身的情态、意韵、生命以及主体所积淀的审美表象的情态、意韵、生命,就会迸发出二者高度同一性、相似性、相关性以及相亲相和性、相吸相引性,从而聚合融合成一个高度和谐、高度同化的整体。
这时候审美者就把握了对象的形神,在脑中形成了蕴含音乐创作家情义审美表象,但这并不意味着审美活动的终结,而是预示着一个更高审美阶段的开始。在这个更高更新的审美阶段里,表演者的“情义”与音乐创作家的“情义”以及“作品”之间达到一种奇妙的和谐共振的状态。它们和当下的审美表象相统一,构成了巨大的审美心理场,审美的理想境界也相随而出。 审美是一个流动的过程,表演者可能能看到与作品中不一样的审美享受,并且将它表现出来,这并不意味着旧的审美场的消失。这只是表演者作为欣赏者开始了自己审美注意的转移,这仅仅意味着审美场拓宽了空间。
表演的审美场构成也就分为两个阶段:一是作为鉴赏者在作品的个性中抽出共性,将具象的音符抽象化,通过各种感性信息片段性的汇总成大致的全体形象,再深入的挖掘其中作者的蕴意。二是作为表演者他要将这些抽象的形象上升为具象,将已在脑中形成的全体形象,融入到想要表达的形象信息的细微末节中,这样才利于自己转化为具体的肢体表现。所以,正如李晓良在被采访时所说的:“我绝不随便去唱一个角色”。作为表演者,也要求不能随便去唱每一个角色。
音乐欣赏是参与者最为广泛的一个部分。但是,并不是每个参与者都能形成审美场。
现在审美心理学认为,主体心理是主元素的有机联结的结构整体。音乐的审美欣赏也分成两种,一是选择式,二是观赏式。前者通过迅速的概观,确定其审美的核心对象,进而付出自己的情感,通过与自己过去的审美表象结合,不断融入所观察的对象。形成主客交融,达到一个很好的审美状态。而观赏式就有点囫囵吞枣的意味了,没有主次,更无法灌注自己的审美态度和情感,这也就无法的形成联想、想象等审美的再创造活动,无法引起我们的共鸣,它也不符合我们对于审美的要求。
首先,欣赏者都是以旁观者的身份参与其中,旁观是审美活动的起始阶段,不管是谁,音乐欣赏者总是以局外人的身份选择、旁观审美对象,动用自己的视听器官,接触和社区客体对象的外层开放信息,这时候声频信息在感觉神经系统中无秩序的波动,视觉信息也开始由局部―整体―局部循环发生变化,当发现自己的审美心理结构与审美对象之间存在者某种对应性时,主客体的界线才会逐渐模糊,双方才会逐步靠拢。主体的情感动力出现这是的审美旁观区别于其他旁观的特点,它要寻求客体与自身的对应和同构,这时就出现了两个物质点,即人本身和舞台上呈现的观念性的舞台表象。
如果这种对应和同构能够达到一个很好的状态,也就是舞台表演能够与观众产生的亲和力,那么欣赏者就能够参与其中了,这也就标志着欣赏者的身心能够进入到美场之中,但如果,二者之间无法形成这种对应和同构,无法产生亲和力,那么欣赏主体与客体之间就无法形成审美场。
进入审美场以后,各种各样的信息开始汇总。将歌词、舞台背景、表演者的神色、音乐的织体等等散乱地通过不同的感觉神经汇总找中枢神经系统。激发大脑皮层的兴奋,引起审美注意,然后逐渐形成一个有机结合的整体。但是,欣赏者不会将这一个整体的各个方面进行欣赏,而是运用自己的思维和理性进行审美抉择,凭借自己敏锐的审美选择力和审美判断力,再一次从中提炼那些更优秀的部分,并且捕捉到对象独有的神韵和深层意蕴,并灌注自己的真情实感于其中,从而达到了巨大的精神愉悦,这时的欣赏者已至忘我的状态,完全沉浸在自己的欣赏行为中,形成主客交融,物我俩忘的状态,产生情思勃发、浮想联翩,到达审美场至境。
要完成音乐的深层地审美过程,那么这四个要素是必不可少的――音乐对象、感知者、音乐创作家和表演家。
他们之间所形成的的三个彼此独立的场在最后的欣赏过程中成为一个整体,成为一个新的审美场。音乐对象是音乐创作家创造性活动的产物,这也说明了二者之间的鱼水关系。这种创造性的活动不仅仅只是创造音乐作品。而且也成为了对审美体验条件的创造,这些条件也恰恰是基本审美场的构成成分,这时的音乐创作家不仅仅是创造作品的创造者,还是人类审美感知力的发现者。这种发现需要主体动力与客体条件的共同存在,所以音乐创作家们担当了参与者、体验者和激发者的角色。作为审美体验的激发者,他可能是某一信息的直接来源或者是辅助他人得到信息的间接来源,他的视野就是我们知觉的基础。我们要了解他的音乐是什么?想表达什么以后才能开始对他的作品进行评价和讨论,这时候的作品家就以一个激发者的身份参与到了我们的审美活动之中,成为要素之一。
表演家就是音乐创作家们和观众只见的一个纽带,这根纽带维系的是音乐创作家的审美体验和观众的审美体验,他成为音乐创作家作品阐释的重要一环,这一环的任何瑕疵都可能决定最终观众的审美境界。他必须先于观众与音乐创作家进行交流,并深度把握音乐创作家的思想,成为他音乐中所要表现的那个事物。但并不是说表演家不能有自己的思想,他的思想必须要和音乐创作家的思想找到契合点,他的审美表象最好能和音乐创作家的审美表象产生高度的相似,这样他才能达到审美场既尊重音乐创作家本意又能有自己的审美感悟的审美场至境,才能毫不违和的向观众展示音乐创作家的思想。这是一种积极的加工,是艺术体验的一个完整的部分。作为审美体验的一个重要阶段,审美场被看做是一个体验的统一体,音乐对象、感知者、音乐创作家和表演家功能不同,但是相互关联与依赖。
音乐对象是审美场的关注中心。它是主要作为体验的刺激源,用音乐包围并且吸引我们。而且通过我们所有的感官的积极参与,激发音乐对象的活力,发挥感知者的审美潜能。音乐对象只有与感知者之间形成一种恰当的联系,那么他作为意向性对象的审美重要性才能得到凸显。它提供给感知者一种稳定性的审美情境,但是感知者的反应会由于感知者文化背景、时代背景的不同而有所改变。所以感知者的体验是多变的。所以对于音乐审美场我们不能做一个统一的标准定义。但是,若想形成一个达到音乐的审美场至境,这四个要素,是一个也不能少的。
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流行音乐市场的不断扩大,不可置否地给我国的民族音乐带来了巨大的冲击。然而,观察近几年流行音乐的发展,我们不难发现:在音乐审美、曲调风格、创作以及配乐等诸多方面都能看到许多民族音乐元素的影子,民族音乐元素在我国的流行音乐的发展过程中占有重要地位。以下是读文网小编为大家精心准备的:民族音乐元素在我国流行音乐中的应用思考相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
民族音乐元素在我国流行音乐中的应用思考全文如下:
摘要:随着我国经济发展水平的不断提高,人们生活质量得到了显著改善,音乐作为人们生活、娱乐必不可少的艺术载体,在创作、配乐、曲风上面不断创新、发展,给人们带来不同的音乐体验。我国历史文化悠久,不同民族在相互融合下也推动了民族音乐的发展与融合,而当代流行音乐创作根植于民族音乐,同时又推动了民族音乐发展,在保持自身音乐特色基础上与时俱进、力求创新,实现音乐形式在艺术上与思想上的统一。
长期以来,随着我国与不同国家交流上的日益密切,流行音乐的开放与兼容性上也在大大增强。很多流行音乐在顺应时代发展下曲风、曲调、歌词等也呈现出多样化特点,但是,这种多样性并不被所有人接受,流行歌曲一度陷入质疑、鄙弃的边缘,经过不断的努力与大胆推广流行音乐开始逐渐被越来越多的人所喜爱,并成为了人们生活、娱乐不可缺少的内容,更在中国音乐发展当中占据着重要地位。对中国流行音乐进行认真分析,对音乐风风格、音乐曲调、词曲等进行风格迥异的创造,使流行音乐也开始呈现出民族音乐特色,本文将对我国民族音乐元素在中国流行音乐中的应用进行分析,从而表现民族音乐对推动中国流行音乐发展上的重要借鉴意义。
中国流行音乐有非常悠久的历史,在20世纪30、40年代,流行音乐被称为“靡靡之音”,而到如今,流行音乐已经成为什么追求精神生活的一种享受艺术。可以说,流行音乐的发展历程正是社会经济发展进步的表现,呈现出一半艺术、一半商品的“双重特性”。自改革开放以后,中国音乐更是得到了蓬勃发展,在不断吸收借鉴外来流行音乐元素的同时,将不同民族的音乐资源也融入其中,实现了民族音乐与流行音乐的兼容,充分发掘传统音乐文化是当前音乐制作人面临的一大挑战。
中国民族音乐有着更为悠久的历史,是伴随着民族融合与演进下形成的,是中华文化的重要组成。流行音乐当中融入民族乐器,将最具代表性的黄梅戏、京剧等唱腔、旋律融入其中,为人们带来耳目一新的感觉,为流行音乐发展提供了更加新颖的空间,并形成了“中国风”的流行音乐风格。比如,《青花瓷》《荷塘月色》《心中的日月》等流行歌曲的主旋律或者是中间节奏都借鉴了民族音乐素材,将少数民族音乐的特色曲调与流行音乐的轻快、活泼的风格融合到一起;中国传统戏曲添加到流行音乐中,不仅让听众认识到戏曲文化魅力,更转变了过去流行音乐颓废、低糜的曲调局面,“靡靡之音”、“肤浅”、“低俗”等描述流行音乐的词语也逐渐远离。
首先,民族空间音乐将流行音乐的创新空间拓展了,民族音乐当中有非常多的元素可以供流行音乐借鉴,为流行音乐创作提供更丰富的素材。其次,不仅可以在流行音乐中加入民族音乐元素,也可以在民族音乐元素当中融入流行音乐,进而使流行音乐的艺术性与感官性增强。通过各项实践显示,国内外流行音乐创作与制作过程中,歌曲中有民族音乐元素的通常能够经得起时代变迁与考验。与此同时,随着大众文化的发展,流行音乐也在不断完善与创新,有越来越多人开始喜欢流行音乐,民族音乐文化受到了极大冲击,在流行音乐迅猛发展下,如何才能继承并发展民族音乐文化成为人们急需解决的问题。
(一)民族调式创作手法
一个好的音乐作品不仅要打动听众,更要成为永垂不朽的经典被人们传颂。为此,在一个音乐作品当中,音乐特征本质能够体现在创作时的音乐组成结构上,并且声音作品、器乐等也能够在音阶结构上体现出音乐特征。从当前的流行音乐歌曲创作上可以看出,五声民族曲调在流行音乐中应用较大,且这种创作方式非常符合我国不同民族的生活习惯、文化特征。比如,在周杰伦的大部分歌曲当中能够体会到民族曲调的“宫调式”,例如,《青花瓷》《发如雪》等都是被人们广为熟悉的曲目。在类似这些歌曲中,有个一共同的特点就是使用了无声音阶,将歌曲分为了五个骨音,实现了不同节点的起伏变化过程,进而实现了抒发内心情况的作用,其中,“I”与属音“5”对歌曲的稳定性起到了较为关键性的作用,而在歌曲的末尾使用较多的则是尾宫音“I”使用的目的是将音质变得明亮。为此,“民族元素”不仅会体现在“宫调式”手法上,还能够将民族化的韵味表达出来。
(二)配乐中民族乐器的使用
在很多的当代流行音乐当中,配乐上也能够体现出民族特色化的乐器,这种乐器的使用更能将民族文化体现出来。具有代表性的就是曾格格夫妇,同样是流行音乐歌手,他们的特色在于擅长使用笛子、萧等民族乐器,能够使歌曲演奏与演唱融合到一起,为人们带来耳目一新之感。还有一种较为经典的形式就是讲唯美音乐形式与流行音乐元素结合起来。民族音乐当中擅长使用古筝二胡等民族乐器,在流行音乐当中,也能够听到这些乐器的演奏,像《沧海一声笑》《甜蜜蜜》等曲调中就有明显的体现,被观众所喜爱;歌曲《天路》中,声部位置用笛子演奏;歌曲《尘埃》中运用古筝与管弦乐器演奏;在《不死之身》中能够明显感受到萧、笛子、古筝等完美结合,民族特征鲜明。以上很多、流行音乐作品都对民族乐器有着广泛使用,在配合流行音乐风格、唱腔,为流行音乐的“民族化风格”创作提供了平台。
(三)地方民歌戏曲的借鉴
中国流行音乐发展经历了漫长的过程,自80年代的“西北风”流行音乐作品以后,地方音乐民歌素材有了更多的借鉴,创作出了非常多优秀的音乐作品,这些作品的民歌性非常强,当时,具有代表性的作品非常多,比如,民族曲调的《朝思暮想》等;高原曲调的民歌代表《花儿为什么这样红》;还有代表着青藏地域特色的《青藏高原》;新疆维吾尔特色的《情人》等。这些音乐作品当中曲风风格迥异,表现样式更为新颖,比如,《花田错》就巧妙的使用了京剧唱腔,并融合西方的R&B曲风,真正实现了无国界的音乐创作,再比如,信乐团的《北京一夜》更是“京剧唱腔”的代表作,也是将西方的摇滚曲风融入进去,真正展现了京剧这一“国粹”的艺术魅力。由此可见,在充分借鉴流行音乐与地方音乐基础上,流行音乐座屏将更加具有民俗性,更体现出了多元化音乐的魅力。 (四)诗词体裁的运用
当今,流行音乐创造过程中,会经常讲我国的古典诗词运用其中,对于展现我国传统文化有着积极作用,比如,苏轼的《水调歌头》一词就被当今的很多音乐制作人所借鉴,例如,王菲的《但愿人长久》一曲中,就是将歌词通过流行音乐的演唱风格表现了出来,将“但愿人长久、千里共婵娟”这一人诗词意境充分的体现了出来,诠释了整首词表现的“离愁”之感。再比如,周杰伦的《青花瓷》、《菊花台》等歌曲都是古代诗词运用的典范。将民族音乐元素融入到流行音乐当中,这种独特的方式是对民族古老音乐的传播与继承。
通过以上论述能够体现出,流行音乐能够备受人们喜爱,是因为其能够符合时代发展特征,满足人们内心需求,与人们的情感产生共鸣。此外,民族音乐语言通俗简单,是对文化、环境、经济、社会的直观反应,与群众音乐审美相互贴合。为此,中国流行音乐成为我国文化发展不可缺少的组成部分,很多民族元素的歌曲都能够得到广泛的传唱度,并同时感染者广大听众的内心,这也是民族文化得以永垂不朽的原因,对中国民族文化的传播有着积极作用。
每一种文化的产生都是在特定的历史环境与自然环境下,具有非常强的民族性与地域特色,流行音乐也是在这种背景下产生的。当代,中国流行音乐逐渐呈现出民族化特色,这同时也是流行音乐得以延续与发展的重要手段。首先,传统音乐能够对流行音乐进行继承与发展,两者间是相互融合、相互依存的,依赖时代而发展,并在时代发展继承与创新。艺术性的民族音乐必须体现出时代特色才能得到紧密发展,继承并不是代表着守旧,而是要在继承基础上创新与突破,真正做到“推陈出新”。时代性与民族性是相互融合的,流行音乐与民族音乐能够在不同时期、不同条件下产生,区域性与时代性因素是造成民族音乐与流行音乐间“冲突”的导火索。这种“冲突”不仅没有将两种音乐形式分割开来,而是实现了两种音乐形式的独特性,这是民族音乐与流行音乐相互并存、相互融合发展的推动力。在流行音乐的不断创作与融合过程中,能够借鉴到民族音乐的丰富表现形式,使之真正实现开放性与兼容性发展。
随着当代流行音乐表现形式的不断变化,越来越多的流行音乐开始呈现出多元化的融合式创作曲风、曲调,兼容国内外不同的音乐元素,使我国的流行音乐展现出了全新的面貌。民族音乐元素的使用,使流行音乐发展又上升到了文化传承领域,对于展现我国不同民族生活习惯、行为方式、地域特色上有着重要作用,并且在融入了民族音乐元素以后,流行音乐曲风、曲调、词句也变得更加新颖、特色,两者相互借鉴、融合,充分体现了流行音乐对时代发展的推动作用。
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衡阳旅游业起步较晚,但近些年依靠五岳独秀知名的衡山,加大投资力度,诸多景区、景点已经初见成效,稳步发展。城市周边雨母山庄、怡兴园度假村、酃湖水上乐园等农家乐蓬勃兴起。在为数众多的旅游产业中,存在着一大问题就是音乐文化产业的缺失。音乐元素与旅游业有着千丝万缕的联系,对于促进旅游业的发展有着重要的推进作用。 以下是读文网小编为大家精心准备的:衡阳音乐特色及其对旅游发展的思考相关论文,内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:衡阳是一座拥有丰富文化资源的文化古城。经过多年的建设,衡阳的文化产业也得到了很大的发展。并且其本土特色的民间音乐对衡阳的旅游业的发展也起着非常重要的作用。文章主要对文化强市战略下衡阳的音乐特色及旅游发展进行了思考。
关键词:文化强市 衡阳 音乐特色 旅游发展
衡阳因五岳之一的南岳衡山而著名,其得天独厚的自然景观和文化底蕴,使衡阳的旅游业得到了很大的发展。虽然衡阳旅游业的文化层面比较广,但缺少了对音乐这一领域的开发和利用。音乐元素在衡阳旅游资源中是重要的组成部分,因此应采取合理的措施充分发挥出音乐元素在旅游业中的作用。
旅游资源的开发和利用主要是为了吸引游客的兴趣,而旅游资源的特色直接影响着旅游资源对游客的吸引力。并且音乐文化应当具有很强的地域性、民族性及感染力。并且地方特色越明显的音乐文化竞争力越强。因此在进行衡阳旅游资源的开发中应重视对衡阳地方特色音乐文化的展示,树立起强烈的音乐特色旅游产业意识,促进衡阳地方音乐旅游产业的良好的发展。同时在建立衡阳地方音乐特色旅游产业时,应注意保证其文化的本真性。文化是国家、族群、地区的独特的生活方式、思想、习俗等的综合成果,具有独特性和不可复制性。代表了一个地区独特的民族精神及地域性。在进行音乐特色的旅游业的发展时应注意既要促进其发展,又要保持其音乐文化的本真性。即保持衡阳音乐文化的源质性。严禁为迎合流行文化而任意篡改传统民俗表演形式,或任意改变小调、山歌、传统戏曲等的表演艺术的伴奏、歌词、旋律等。如很多地方在传统的花鼓戏中加入了大提琴的伴奏,改变了传统的表演形式。应当以衡阳本土的传统艺术为基础,保护本土艺术的本真性,形成具有独特民族特色的音乐文化。
衡阳拥有戏曲、乐器、民歌等丰富的音乐资源。衡阳比较有代表性的戏曲有湘剧、祁剧和花鼓戏。衡阳湘剧是湖南省独特的地方大戏剧种之一,湘剧流行的地区非常广泛,并且衡阳湘剧的传统剧目数量很多,具有六个连台本戏,一百一十三个整本戏,四百六十五个散折戏。祁剧是古老剧种,其形成及发展于祁阳。并且随着祁剧剧目、声腔及表演艺术的不断发展,逐渐形成了以弹腔为主体的多种声腔的大戏剧种。祁剧大约有八百九十多本剧目。衡阳花鼓戏起源于清朝顺治年间,因其声腔流通的地方相通,并且声腔的语言相近,因此称为衡阳花鼓戏。花鼓戏由衡阳的车马灯、原衡山的采茶调等歌曲发展而来。衡阳花鼓戏主要以小生、小旦及小丑见长,是衡阳人们非常喜欢的剧种。衡阳的特色乐器主要有渔鼓、简板。渔鼓由竹筒制成,简板由竹片制成。演奏渔鼓时左手竖抱渔鼓,右手击拍鼓面,演奏简板时用左手夹击发音,与渔鼓一起为“道情”、“渔鼓”伴奏。
衡阳有湘剧、祁剧等的文艺团体。为发挥音乐元素在衡阳旅游业中的作用,应将音乐戏曲的表演融入旅游业中。可以进行一些文艺演出,如邀请一些著名的歌唱家及艺术家展现衡阳地域民族风情。同时还可以在旅游中增加一些音乐纪念品。衡阳当地的很多歌唱等表演都需要很多乐器,如渔鼓、简板等传统民族乐器,这些乐器使用起来很方便,并且不会使用也能够作为纪念品,在旅游业中增加音乐纪念品的设定,让游客在欣赏过音乐表演后获得一些纪念品。除了售卖一些乐器外,还可以将衡阳地区流传较广的歌曲、民歌等收录在一些光碟中,制作成纪念品。当地旅游业还可以在旅游活动中安排一些和游客互动的音乐游戏的环节。
如让游客与当地人对歌,或者由当地人教唱一些有韵味的曲调,与当地人共舞等。同时应充实以往在音乐宣传上的空缺,在制作宣传手册时除了要对衡阳的景点进行结合外,还应详细考虑对其特色音乐文化的介绍。同时进一些演奏、戏曲等制成相关的音像制品。还应发挥媒体的作用,在衡阳的一些电台定时播放一些优秀的传统歌曲及剧目等。并将有关剧种、表演形式等方面的知识印刷在报刊、杂志上,通过这些媒介,让人们能够更好的衡阳特色音乐文化。在旅游活动中可以提供一些戏剧、歌舞的表演,让游客能够充分的欣赏。并且应充分发挥衡山每年一度的“寿文化节”的作用,积极打造具有独特的衡阳音乐特色旅游活动,并打造出良好的具有地域特色的音乐文化品牌。
音乐是之中大众化的艺术形式,音乐的旋律及节奏等展现了创作者的情感及思想,听者通过音乐释放自己的想象,感受音乐中的美感,陶冶情操。旅游也是一种审美活动,将音乐元素融入到旅游业中,能够让游客更加深刻的感受到景物中蕴含的美感和意蕴。并且游客在音乐活动中能够得到娱乐和休闲。因此,在旅游业中注重音乐文化的融合,能够很好的提高旅游文化的品味,让游客在音乐艺术中获得精神上的力量。目前衡阳旅游业对音乐功能的运用还不够完善,音乐元素是促进衡阳旅游业发展的一大助力,因此必须大力开发衡阳的音乐文化。通过全面分析衡阳旅游业中的音乐元素,发掘出具有本土特色的音乐元素,结合旅游业的切实需要,满足游客的市场需求。同时应提出能够发挥音乐功能的旅游产品的好的想法,开发出优秀的音乐旅游产品,树立衡阳本土音乐特色旅游品牌,完善衡阳旅游业的整体结构。
为了促进衡阳旅游文化产业的良好发展,人才是关键。文化企业的管理者应当具有优秀的管理能力及创新能力,并且本身具备良好的文化素养及艺术创造力。能够充分的发掘衡阳本地资源优势,发展旅游业,带动音乐文化在旅游业中的发展。并能够积极发现和保护民间文化艺人。对于一些从事导游行业的人员,应促进其音乐素养的提高,加强旅游从业人员与艺术院校及团体之间的联系与学习。让其具备良好的当地民族民间音乐素质,培养出具有良好音乐文化素养的人才。
总之,音乐元素对衡阳旅游业的发展起着很好的促进作用。充分发挥衡阳地区的本土特色民间音乐功能能够有效吸引游客的注意力,并能将衡阳独特的音乐品牌打造出来,形成良好的旅游效益。
本文为湖南省高校教学改革研究项目,项目编号:湘教通〔2014〕247号;湖南省哲学社会科学基金项目,项目编号:14YBA054;湖南省教育厅科研项目,项目编号:14C0179;衡阳市社会科学基金项目,项目编号:2014D064;衡阳市社会科学基金项目,项目编号:2014D032。
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全日制教育硕士专业学位研究生实践能力培养是其培养质量得以保证的重要一环。以下是读文网小编为大家精心准备的:构建高师音乐专业硕士研究生实践体系的思考相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
构建高师音乐专业硕士研究生实践体系的思考全文如下:
摘要:近年来,全国各大高等院校不断加强对大学生实践能力的培养。其中高等师范院校音乐专业因为其特有的表演性和师范性,培养学生的实践能力成为其重中之重。因此,全国各大高师也在积极改进音乐专业硕士研究生实践培养模式。虽然已在一定程度上得到了改善和进步,但仍存有一些不足之处。因此笔者认为很有必要建立一个完善的高师音乐专业研究生实践体系。
首先,我们必须了解高师音乐专业硕士研究生培养目标的定位。其基本的教育理念应该以培养具备相应专业技能水准且能够担任学科教育工作者为主要目的。因此,大部分师范院校所设置的硕士研究生专业为“声乐演唱与教学”,“钢琴演奏与教学”等,但纵观各高师,在艺术实践与教学实践的结合上仍有改善的空间。在培养这类研究生时,既要强化专业性又要突出师范性,其中至关重要的一点就是加强研究生的实践能力。
1、实践形式单一
现如今高师音乐专业硕士研究生的培养模式是课程教学(专业课以及公共课),学位论文,学位音乐会。包括了我们一再强调的专业技能实践和教学实践。但是却有一部分学生以仅仅能够通过以上考核作为能够顺利毕业的目标和任务,并不会试图在此基础上做到更优或有所拓展。另外,该培养模式设计实为合理,但在某种程度上略有局限,因此也就相互促成了实践模式的单一。
该培养模式中最具有艺术实践意义的就是硕士研究生的学位音乐会,也就是在研究生学习阶段的尾声所举办的个人独唱(奏)音乐会。虽然毕业音乐会是作为毕业考核的指标,但是除了专业硕士需要举行两场音乐会,大部分学术型研究生也只需要完成一场音乐会,再加上此考核的评分并不会非常严苛和细化,导致极少数研究生并不严肃对待,因而不够重视平时学习中的实践积累。
2、实践内容有限
不同的学校会制定不同周期的汇报演出,这对研究生来说是很好的参与实践的机会。笔者也非常认同及鼓励该形式的实践。但是,汇报演出相比较毕业音乐会就显得略微随意,比如不能够做到定期举行,偶尔人数和场地不能够保证,实践的意义就会受到了一定的限制。
其次,硕士研究生的专业课,也就是我们平时所说一对一形式的小课,很多学校将本科阶段一周一节的数量增加到一周两节,这非常有助于学生演唱或演奏专业技能水平的提,但是小课的内容仍然较少的涉及到教学法。如果我们能把这增加一节的小课的内容和形式再丰富一些,对学生的综合实践能力无疑是有很大的帮助。
显而易见,在高师音乐专业硕士研究生的培养体系中强制完成的实践内容时常不能够充分发挥其优势。因此,学校,教师,学生需要一起努力,在现有培养体系的基础上,为音乐专业的硕士研究生构建出一系列更完善的实践体系。
目前,各大高师已制定了一系列音乐艺术实践的方案,我们需要做的便是将其落到实处并有所拓展。简而言之,高师应该合理地增加音乐艺术实践的形式和内容,制定详细的艺术实践计划,同时也要确保高质量完成。
1.1汇报演出
首先,应该从最基础的实践开始实施。虽然各大高师都会开展音乐专业研究生汇报演出,但是次数有限,内容和形式也不够规范。据笔者调查,大部分高师设定研究生汇报演出的次数是一至两个月一次,甚至一学期只有一次。高师的汇报演出一般而言是面向本学院,甚至仅仅是面向导师和同学的演出,规模较小,演出场地就设在各自学院内部,几乎不需要耗费很多人力、物力、财力。因此,笔者认为此类型的汇报演出每个月应至少举行一次。另外,在研究生汇报演出的质量上仍需关注,这便需要研究生导师的有效监督。对研究生的汇报演出高要求,严格把关。一般来说,研究生的专业汇报演出比本科生的内容要多。以声乐演唱与教学研究生为例,应该演唱不少于两首歌曲,如果只演唱一首或表演水准未达到导师要求都应视为不合格,导师应该及时给予评价并记入成绩,这样可以使研究生重视每一次可贵的实践机会,并在实践过程中和导师的指导下提高自己的实践能力。
1.2主题音乐会
到了硕士研究生阶段,每个专业分得更细,专业技能较本科阶段得到了一定的提升。开展各专业的主题音乐会这类的实践便是展现研究生专业技能最直接的方式。比如声乐演唱与教学专业的研究生可集体出演一部歌剧或剧中的选段,既能使研究生的舞台表演素质在短时间内有所提高又能培养互相合作的能力,或者地方民歌音乐会等;器乐演奏专业的研究生可举办某位作曲家的作品独奏音乐会,或重奏音乐会等。
现如今各大高师基本上都培养了自己的管弦乐队和合唱团。交响音乐会和合唱音乐会这类大型专题音乐会可在每个学期末举行一次,但日常排练仍然非常重要,每一次的排练都不可轻视,这都是研究生艺术实践的重要平台。日常排练的次数和时间可根据团员们的时间统一安排,尽量保证每次排练每个队员到齐,每周不少于两次的排练。这需要学校制定严格的管理方式和纪律作为保证,并且将每个人员的考勤计入个人评估。否则,此类集体的实践活动将很难完成。
1.3班级艺术实践活动
把班级实践活动列为高师音乐实践体系中的一项。以班级为单位,进行综合各个专业的艺术实践活动。由于研究生的班级较本科生班级人数少了许多,因此能保证到每个人都参与。并且由于研究生年龄和阅历相对成熟,班级实践应该以研究生或班级为主体进行自主创造,编排等。该活动可以有效地调动每位研究生参与的积极性,鼓励学生敢于进行各种形式的艺术创造,培养研究生的组织能力和自主创新能力。设立激励与奖励机制,给表现优异的学生与指导教师予精神及物质奖励。
1.4组织专业技能比赛 高师组织专业技能比赛是很有必要的实践内容。参加比赛是检验学生实践能力的一项重要方式。毕竟音乐会和比赛的性质不同,学生也会抱有不同的心态。很多音乐专业的学生,甚至是研究生,竞赛的经历较少,因此,仍然会出现在台下练得很好,一上台,面对成百上千的观众和评委老师,抱有得失压力,就会产生怯场、紧张心理,不能正常发挥。学校应该多组织各类比赛,使上台成为经常性的活动,并将其作为教学过程的一个必要组成部分。这样做能有效地培养学生的心理素质,提高舞台实践能力。每一次的比赛都会让学生的心理素质和实践水平有所提高,同时开阔了眼界,增长了见识,发现了不足。高师每学期大小型的比赛可组织两次,其中不包括平时的汇报演出和专业音乐会。因此学校必须要合理安排,和其他实践活动,如汇报演出,音乐会等时间适当错开,给学生准备、缓和的时间。
1.5实践上课常态化
无论是课堂学习,还是实践活动,都需要研究生与导师增强互动,共同努力。导师也要不断完善,更新自己的教学理论。研究生经过了本科四年系统的学习,更具备和导师进行学术交流和实践交流的能力。导师学识深厚,经验丰富,见识广,可在平时的课堂上跟研究生们讲述自己所见所闻的实践经验,并与研究生共同探讨,再通过实践让研究生领会理论知识与实践的融会贯通。
一般来说,高师音乐专业研究生一周安排两节专业课,可将其中一节专业课安排在音乐厅的舞台上,
将艺术实践上课常态化。以此种公开登台的教学形式加强学生的实践体验;导师也可以专门开展公开授课,尽量让每位研究生都有课堂实践和学习交流的机会。这样才可以真正让研究生做到在学中实践,在实践中学。
1.6模拟教学
高师音乐专业硕士研究生最终的培养目标是音乐教师,因此研究生不仅要学会“如何学”,还要学会“如何教”。导师在专业课中也要同时教授教学法,言传身教教会研究生如何上好一堂专业技能课,研究生们可以在导师的指导下互相授课,模拟教学实践。教学相长,让研究生真正参与专业课教学,为将来的工作打下丰富的经验和坚固的基础。
2.1音乐艺术进校园
高师除了在校内建立音乐实践体系之外,积极主动与社会各界联系,建立多种多样的实践机会和场地也是必不可少的内容。高师音乐专业的研究生人才培养应该是要立足于实践,充分体现音乐性与师范性的结合,以适应新时期社会的需要。因此,可在各中小学进行实践,尤其是高师附属中小学,与其建立长期的合作关系,不定期举行音乐艺术进校园的实践活动。如独唱(奏)、重唱(奏)、合唱专场音乐会、交响乐音乐会等。
2.2音乐课堂教学实习
另外,师范类的本科生在临近毕业都会有教学实习,同样也可以安排研究生在中小学进行音乐课堂教学的实习,并且安排学科教学专业教师对研究生进行监督和指导,提高研究生的教学业务能力。这是音乐教学实践的一种最直接、最重要的形式。因为高师研究生师范性是其非常重要的一点,这样的教学实践能够帮助研究生更快走入教师的队伍中。
2.3公益性的音乐与教学活动
随着社会发展和文明的进步,公益性质的活动越来越丰富,政府及社会各界也给予了越来越多的支持。高师能将社会公益性质的实践活动纳入音乐实践体系中是一件非常有意义的举措。作为高师研究生,更加有能力、有义务为社会公益出一份力。首先,学校需要主动与相关单位联系,获取信息,并做好协调工作。这样才好安排音乐实践活动有序地进行。如在社会福利事业组织,城市社区,农村社区,进行公益演出,仍然要以常规的,百姓更为接纳的艺术形式为主。
另外,在乡村中小学进行公益演出和音乐课堂教学。将先进的音乐教学法带进一些偏远的中小学。与中小学的教师学生进行互动,互通有无,及时听取他们的反馈,增强研究生对普通中小学音乐发展和教学方法的认知。
3.1建立校内专业音乐厅
音乐实践基地是实现音乐专业研究生艺术实践的基础,因此,笔者殷切希望各大高师能在音乐厅建设上有一定的改善,毕竟一个专业的音乐厅对音乐院校来说是基础性的设施。有了专业的音乐厅,实践者才能将其能力和水准充分又真实地发挥出来。
即使是一场平常的汇报演出,也应该将场地设置在学院专业的音乐厅。如果因为某些原因,随意在大教室或其他不规范的场地进行专业演出会产生了一些问题。比如一些面积大的教室会产生过多的混响,导致演唱者的音量比实际音量大,音色异常洪亮。这不仅大大影响了实践者的自我认知和心态,更加直接影响了实践效果。
3.2建立校外音乐实践基地
高师音乐专业研究生的实践基地不应该局限在校内的音乐厅或演出场地,社会上有各种形式的场所都可以作为高师音乐专业研究生的实践基地。就如上文所提到的音乐艺术进校园活动,各个中小学都可以作为音乐实践基地。同样,高师在各社区也可建立长期的音乐实践基地,这样即拓宽了高师音乐专业研究生的实践场所,也提供了中小学师生和社区人民更多学习和鉴赏音乐的机会。
3.3合理安排音乐实践场地
学院需要根据实践的内容形式有序地、合理地安排音乐厅的使用。专业的音乐会,汇报演出或声乐、器乐比赛以及研究生专业技能的考试都应该设置在专业音乐厅;而娱乐性质的艺术实践活动,或者需要大量的灯光音响的晚会及演出,可安排在的剧场或大礼堂内举行。另外,学校应该安排专人来分配音乐厅的使用时间,尽可能不出现因为时间的冲撞而导致某一实践活动临时更改实践基地的情况。
高师音乐专业硕士研究生实践体系,不是一朝一夕可以建成的,这是一个漫长发展的过程,需要学校,教师,研究生们共同努力。尤其高师需要立足于音乐专业硕士研究生的培养方案,适应国家和社会新时期音乐专业硕士研究生人才的需要,将理论与实践培养相结合,并落到实处,建立更丰富的实践方式和实践基地,逐步构建和完善高师音乐专业硕士研究生实践体系。
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“以音乐审美为核心”是中小学音乐教学的基本理念之一,这一理念告诉我们中小学音乐教育的本质是审美教育。歌唱教学是初中音乐教学的一部分,也是审美教育一种重要手段和方法。以下是读文网小编为大家精心准备的:音乐审美的思考相关论文。内容仅供参考,欢迎阅读!
摘要:现代音乐教育的核心就是音乐的审美,同样的音乐对于不同的人来说也会产生完全不同的审美体验。这种差异性的产生基于每个人的生活环境、受教育经验和人生经历的、有个性特征的一种音乐倾向性。音乐教学不仅是人文学科的一个重要领域,更是学校实施美育的主要途径,具有其他学科不可替代的作用。审美原则是素质教育的核心,因此,对音乐的审美教育意义重大。
音乐审美是一门横跨音乐和美学两界的学问,建立在丰富的音乐知识和良好的审美价值之上。音乐欣赏作为学习音乐的一门重要的课程,和音乐审美的形成也有着重要的关联。可以说,学生在进行音乐欣赏的同时,就在培养着自身的音乐审美水平。同时,除了在音乐欣赏方面,还可以从其他一些方面对学生的音乐审美进行培养,诸如审美的环境、教师的素质等。因此,关于音乐审美的思考显得尤为重要。
(一) 音乐审美伴随着音乐欣赏
1.音乐起源于美
在中国古代,人们对于音乐的认识和对于美的追求是密不可分的。当感受到一些深刻的情感时,人会想要表达出来和他人分享。表达的形式之一就是发声,人们将声音以一种抑扬顿挫的方式进行组合,让其听上去具有一定的表现力,这就是音乐最原始的样子。而最开始的那份深刻的感受,就是来自于人类对于美的感受。正是由于人们对美产生了不同的体验,所以产生的音乐。而同时也是因为对于这些音乐的不同体验,才会让人形成现在的一种音乐审美。音乐,是人们感受美,传递美的一种方式。
2.音乐传递着美
音乐在作为一段旋律被人所收听到了以后,会在人的内心产生各种反应,让人产生各种不同的感受和体验。这种感受并不是凭空出现的,而是建立在音乐作品的内容之上。在一部好的音乐作品中,包含了非常多的审美要素,这些审美要素分别从旋律、节奏等方面让听者产生美的共鸣。审美要素就是音乐的语言,音乐家在写曲子的时候总是带有一定的情绪,或者包含一定的希望来写的。而音乐审美的培养过程就是将这些音乐的语言学会、听懂、解读的过程。
(二)音乐欣赏可以培养音乐审美
欣赏就是对于美的认识和体验,对于音乐的欣赏能够带领人们在音乐中寻找作者留下来的美感。通过对于作者的解读以及对作品创作时代的解读,可以让听者了解到作品的很多时代特征。很多时候作者写出来的作品就是对当时心情的一种纾解,所以在后人聆听这段旋律时,就能够借助音乐的手段来了解当时发生的一些事情。
同时,许多音乐作品都具有一定的民族特征。像是中国古典音乐的缠绵柔美,欧洲交响乐的庄严磅礴,非洲很多部落音乐的欢乐活泼等。这些能代表本民族特点的内容都属于一类审美要素,对于这些要素的把握有助于学生对于音乐的分类和体验。
(一)创造审美环境
审美环境是一定空间范围内适宜于审美的一些外在条件,包括听觉环境、视觉环境和师生关系三点。其中最重要的就是听觉环境的塑造。声音和音乐的关系最为密切,它通过有节奏韵律的声音刺激听者的大脑皮层,让人感受到音乐中所蕴含的不同情绪,引起人的共鸣。良好的听觉环境的塑造是音乐审美教学的前提和要求,为保障听觉环境,就必须拥有良好的设备和安静的课堂纪律。教师在进行课前准备时,一定要将之纳入考虑。
除了听觉环境,优美的视觉环境也会对音乐审美的教学过程产生重要的影响。这是因为音乐审美水平是同时建立在音乐素养和对美的感受之上的,而视觉是更容易让学生感受美的一个渠道。将教室以更协调的方式进行布置,多媒体和校内绿化环境的同时运用,注重教师本身的仪表等,都会让学生在视觉方面产生对美的感受。
另一方面,一段平等自由的关系也应当纳入这个和谐的环境当中。美是一种心灵的体验,教师要想对学生进行美的引导就要首先和学生进行心灵层面的交流。教师和学生应该以一种亦师亦友的关系进行对于美和音乐的讨论,这样才能最大程度地调动学生的积极性,激发学生丰富的想象。
(二)培养审美兴趣
兴趣决定了学生会在某一门课程上投入多少努力和热情。对学生而言,能够不用花太大力气就能取得不错成绩的科目一定是他比较有兴趣的。对此,音乐审美课程的教师就应当尝试积极挖掘学生对于音乐和美的兴趣。音乐本身就具有独特的吸引力。教师需要考虑的问题在于怎样将这些具有魅力的音乐介绍给不同年龄阶段的学生,以起到激发学生兴趣的目的。而考虑到培养学生对美的认识,就要在如何帮助学生形成认识美、欣赏美和创造美等正确的审美观上做出努力。
比如在和学生欣赏《森林狂想曲》时,可以让学生在听完一遍音乐以后进行自由绘画创作。在画面中表现出自己在音乐中都听见了什么动物,它们可能在做些什么事情等。帮助学生理解音乐的故事性,让音乐鲜活起来,这是提高音乐审美水平的第一步。
(三)提高音乐教师本身的审美素养
教师本身就是一个必须不断学习的职业,只有不断地充实自我,完善自身对于音乐审美的认识,才能教授好这门课。一个拥有人格魅力、更容易让学生产生信服感的教师,在授课的过程中能够更具感染力。如今市面上可以找到的音乐作品的水平有高有低,如何在这些作品中进行筛选,就成了音乐教师的任务。好的作品能让学生更容易产生美的感受,而一般的作品中所蕴含的审美要素比较少,用来进行时间有限的教学比较勉强。教师本身的音乐素养就决定了能否在诸多音乐作品中挑选出合适的用以课堂的音乐作品。
同时,一个优秀的音乐审美教师也不能仅仅拥有音乐技能,而是要兼备一定水准的文化底蕴。在教师对一个音乐作品进行介绍的时候,学生就可以从中感受到教师的文化水平。一个仅擅长音乐而不擅表达的人是无法成为一名优秀的音乐教师的,但文化意识的薄弱恰恰是我国高校中音乐系学生的一个常见问题。
音乐和美密不可分,音乐水平的进步建立在对音乐美的进一步把握和认识上,而审美水平的提升也会促进对音乐的理解和欣赏。在未来,人们会不断意识到,音乐作为一个艺术门类,其欣赏和创作同样重要。只有用心去理解音乐中的那些审美要素,将这种对于美丽的认知纳入一般性的生活体验,才能更好地感受到音乐中所蕴藏的那些感动和情怀。
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教育服务于社会,社会和经济的发展又影响着教育前进的步伐,因此对于音乐教育的研究不能脱离社会生活。下面是读文网小编为大家整理的音乐教育论文范文,供大家参考。
庞大的中国市场只要你能创造出关注,就能带动消费拉动经济,这就是市场经济的结果。作为音乐教育机构,我们当然愿意看到按照我们的教育方式输出的人才或音乐作品为大众所喜欢及关注,但这不能够脱离当前中国的社会背景,目前的中国社会就是一个多元需求的社会,我们根本没有办法通过一种形式能在短期内引导老百姓提高到我们所希望的层面,当前要做的只有去遵循这种形势,逐渐引导,何况我们培养的学生们还需要就业。谈及引导,也只有通过培养出更多的音乐专业人才,让他们走向社会创造出更多带有专业音乐修养并能让老百姓喜爱的音乐作品,才能在社会的不断进步回归中逐渐引导大众。
教育观念转变
目前包括音乐教育机构在内的大部分中国各大院校都多多少少存在着教育体制与社会发展脱节的现象,所培养出的人才毕业走向社会后经常是感觉到无所适从。延安鲁艺在创建之初曾经走过一段关门造车的弯路,师生们只专注于音乐,而忽略了社会,所幸是鲁艺发现了问题,并积极通过教育实践进行了改变调整。处在今天瞬息万变的中国社会,而我们的教育体制确是几十年如一日的反复着,所以与社会脱节现象就在所难免。作为今天我们每一个从事音乐教育的人,都有责任有义务去发现和尊重社会变迁的需求。作为教书育人授技传艺的我们要做的只有更好去顺应时代的潮流,培养出更多的适合于时代发展要求的音乐人才、创造出更好符合时代的音乐作品,才是我们的目标和使命所在。
找准定位,建立科学合理的大学精神文化系统
在市场经济高快发展的今天,几乎我们中国的企业都在建立自己的企业文化系统,因为他们深刻的意识到一家企业要想在市场中立足,没有精神层面的支持是万万不可的。而大学本身作为文化输出的重要组成部分,同时也是类似于企业的一个经济组织,在市场经济面前不管我们愿不愿意都不能不受市场的左右。教书育人是我们的产品,生源是我们的市场。今天一所大学的兴衰就如一家企业一样决定于育人的质量(产品)、学习成本(价格)、影响力(促销)、传播途径(渠道)等环节。这里所要谈及的大学文化系统不同于我们以往所论及的校训,它是一个偏向服务于市场的精神纲领组成。没有这套文化系统,我们将会在市场经济洪流中迷失,酒再好是要靠吆喝的,音乐学院也是一样,纵然你有再好的硬件设施再优秀的师资力量,如果不能够在潜在目标生源决定报考哪所音乐院校之前告诉他们我们的优秀所在,就很可能失去这些生源。所以通俗的讲一套文化系统就是我们学院自身优势的提炼集成,并把这套优势集成以一个或几个有效的途径传播出去。从某种意义上讲,“社会”和“市场”是同义词,我们关注市场其实就是在关注社会。那么一所音乐教育机构要想建立一套完整科学而又适应市场的大学文化系统,首先要做的先寻找到自己的定位。今天放眼全国到处是综合类艺术教育院校,而真正有着自己准确定位又有多少,即使是有自己的定位,而在社会上清楚这个定位的人又有多少。整天关上门说我们在培育什么样的音乐人才,我们有什么样的优势,却不能把这些优势当作重要工作向社会传播开来,纵然是你具备这种优势也清楚自己的定位,那也形同虚设。一所大学如果能科学清醒的找准定位,并在此基础上建立起属于自身的文化系统,立足于今天的教育市场将会事半功倍。
高等音乐院校,作为教书育人的艺术机构和共和国艺术领域的重要组成部分,我们都有必要去深入的研究音乐与社会、音乐教育与市场的关系。看清楚今后的发展趋向,使教育机构与市场需求紧密结合,让更多的音乐从业人员及爱好者在社会中实现自我价值。
在兴趣化学习的推动下,学生对音乐有了感觉才能有丰富的联想,激发学生走进音乐世界内探秘的好奇心,作为老师则要通过各种手段来引导学生去体会作曲家的意图和心态,进而理解音乐表达的“美”,提高学生们的审美意识。在第一堂音乐课的时候,我让学生欣赏了我国著名的小提琴演奏家马思聪作曲的独奏曲《思乡曲》,曲子悠扬婉转,使之很多学生静静聆听,音乐的力度、情绪等对比很容易地加深了学生对音乐形象的理解,最终以实现音乐欣赏的审美教育。
关于“高中音乐教学中的情感体验”里,有学者提到音乐情感体验的三个作用:一是多重感情体验可使高中生具有一种探索未知的驱动力,毕竟通过优美或熟悉的旋律才接受音乐是肤浅的,只有了解作曲家的心意,才能在情感驱使下进一步探索音乐的美妙;二是通过认真的态度通过音乐手法去了解作品的内涵,驱使学生认真对待音乐的基础便是真实的情感体验;三是情感体验增加了学生对课程学习以外天地的向往和关爱。在美感中,情感是美感的重要构成因素,没有美的感受与感动之情,则不成其美感,如果连最起码的情感体验都没有,何来“审美”?在艺术欣赏中,学生的审美情感往往是伴随着他对作品的审美认识和审美理解而产生的。在艺术里,在审美活动中,情感与思想是交融在一起的,没有情感的艺术是说教,没有思想的艺术是说梦。
在音乐欣赏课中欣赏了多部作品,体验了多体情感的时候,活泼好动的他们,自然会在实际生活中寻找那份真情,培养学生审美情趣和审美意识,树立正确的艺术审美观才是音乐教育的根本。
在新课标的指导下,老师不再是知识的唯一传授者,学生在实践活动的参与中,体验到多种学习方法,学生在自由自在的思维空间中,可以放飞想象力。如果师生间没有宽松和谐的气氛,学生就难以发挥本身的自主性。如果学生在紧张和不安中接受知识,又如何迸出思维的火花?如果只是老师在讲台上唱独角戏,得不到学生的互动及参与,既让学生觉得音乐课无聊,又减低了老师上课的积极性,音乐课还要培养“美”的宗旨没有得到实现,失去了培养审美情趣的价值。
有句谚语是“语言不是蜜,却可以粘住一切东西”。在音乐教学中,只有富于艺术性的风趣语言才可能粘住孩子的心,帮助尚处于发育时期的孩子发现美,启迪思想,激发其兴趣爱好,最终达到提高学生审美意识和情趣,增长其智慧。
语言就是讲究抑扬顿挫之感,随着课堂情绪高低,始终贯穿着课堂,是知识点连接的纽带,音乐作为听觉艺术,以某种声响信号为中介,直接刺激着学生的听觉,如课堂包括了音乐的声响,老师语言的声响……等,幽默、想象的语言,总能像春雨一样滋润着学生心田,使课堂气氛和谐统一,师生共同完成审美体验的课堂。语言的锤炼,又是我们音乐教师所应具备的一项基本技能,人与人的沟通需要语言来表达。
音乐教育的根本就是树立正确的艺术审美现,拓宽学习音乐的渠道,改变狭窄、封闭的课堂为开阔、开放式的音乐学习,把学生的目光引向生活、引向社会、引向自然、学生接受新知识的渠道越来越广,老师在整个教学过程角色的扮演,就应该是授人与渔的本事,将音乐中带有的美好情感表现于现实生活,用审美的态度对待周围事物,音乐教学就将必须跟上时代的步伐,融入社会的发展,真正地走进时代,将以前封闭、难懂的内容转变,以内容活泼,形式多样,生动活泼的课堂气氛,回归学生的世界,增加与现代生活关系密切、内容健康向上的通俗音乐、电脑音乐等,解决学生与“高雅音乐”形式的鸿沟的障碍。
作为音乐教育工作者应该引导同学们正确地认识通俗音乐。特别是对一些积极向上、充满爱国情感的优秀作品介绍给学生。将某些优秀的通俗音乐文化尤其是一些励志方面的有动感、有生活的器乐音乐尝试带入课堂,活动课堂气氛。即不让课堂内容呆板,也能培养学生审美体验。
音乐老师在音乐课中,怎样使情感体验的重要作用发挥出来。音乐教学中,要充分利用欣赏、歌唱、表演、朗诵等形式和手段,让学生理解音乐艺术作品的内涵与外延,使学生在老师启发引导下,发自内心对音乐情感的真切体验与真挚感情和抒发。是把全身心对音乐内涵和外延的感知、理解与体验化为音乐艺术形象的再创造、再表现的过程。爱因斯坦说过:“想象力比知识更重要,因为知识是有限的,而想向力概括着世界上的一切,推动着进步,并且知识进化的源泉。”
总而言之,在这次实习中,我感受到了,不只学生要学,作为教师的我们也要更加巩固地学习充实自己,只有本身做到了对音乐的了解、想象、发挥、创造才使学生的积极性活跃,引领学生走进想象、创作、表演等各方面。音乐欣赏的过程,是对艺术作品想象的空间。音乐教育对美感的培养是潜移默化的,用心与音乐交流,学生有丰富内心世界,才会学会对自己、对家庭、对社会的负责。从音乐手法中延伸思考、强化审美体验,以审美的态度对待人类。养成一种宽容与仁慈的情怀,从而成为真正意义的现代人。符合新课标指导下的教育宗旨,最终使学生通过音乐欣赏,学会感受音乐的力量,感受“美”的力量。
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